Vicky Martin: „Ich nehme das Vertraute und mache es fremd”
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Eine Frau in Dorothys rubinroten Schuhen, mitten in einem Supermarkt, gehörte zu den ersten Bildern, die Vicky Martin zu ihrer Serie Not In Kansas führten, auch wenn dieser konkrete Bildrahmen nie realisiert wurde. Die erste Idee verband einen alltäglichen Einkaufsraum, ein Objekt aus The Wizard of Oz und eine Sehnsucht nach Aufbruch, die in unterschiedlichen Formen durch ihr Werk zurückkehrt.
Die britische Fotografin schafft inszenierte Porträts, in denen Alice, Rotkäppchen, Rapunzels Haar, ein Puppenhaus, eine filmische Pose und ein vor den Betrachter:innen verborgener Blick in einen Dialog über zeitgenössische Weiblichkeit treten. Über Märchen, Literatur, Kino und Popkultur spricht Vicky über Wahl, Erwartung, Körper, Zuhause und die Möglichkeit, aus einer zugewiesenen Rolle herauszutreten.
Im folgenden Gespräch erzählt Vicky, wie aus einem ersten Bild eine Serie entsteht, warum The Wizard of Oz und Alice’s Adventures in Wonderland sie seit ihrer Kindheit faszinieren und weshalb ein Porträt ohne direkten Blick die Beziehung zwischen der Frau auf der Fotografie und der Person, die sie betrachtet, verändert.
In Selfhood ist der Blick verborgen, wodurch das Porträt über Geste, Haltung und Atmosphäre spricht. Wie hat diese Entscheidung beeinflusst, wie Sie die Präsenz der weiblichen Figur und die Beziehung zwischen Bild und Betrachter:in aufbauen?
Selfhood entstand als kreative Herausforderung, eine Serie von Porträts zu komponieren, in denen der Blick verborgen bleibt. Das zwang mich dazu, eine Erzählung ohne jenes Element zu entwickeln, das in einem Bild oft am stärksten fesselt. Während sich die Serie entwickelte, wurde mir klar, dass das, was als persönliche Herausforderung begonnen hatte, zu einer Möglichkeit geworden war, die Spannung zwischen der Frau als Objekt und Subjekt des Blicks zu artikulieren. Wenn die Betrachter:innen die Augen der weiblichen Figur konsequent nicht sehen und auch nicht wissen, worauf oder auf wen ihr Blick gerichtet ist, erhält die Frau Souveränität und Handlungsmacht über ihren eigenen Blick. Obwohl die Frau durch den Blick der Betrachter:innen unweigerlich objektifiziert wird, wollte ich auch die beunruhigende Vorstellung erkunden, dass die Betrachter:innen selbst objektifiziert werden könnten, angeblickt, ohne zu wissen, ob sie ihrerseits von der Porträtfigur beobachtet werden.
Wie haben Märchen, Literatur und wiedererkennbare weibliche Figuren erstmals ihren Weg in Ihre Arbeit gefunden, und wie wurden sie nach und nach Teil Ihrer visuellen Sprache?
Die fantastische Welt der Märchen hat meine Vorstellungskraft immer angeregt, und diese verspielten Erzählungen gehören oft zu den vertrauten Bezugssystemen, auf die ich zurückgreife, wenn ich ein Bild oder ein Projekt konzipiere. In meiner Kindheit, faszinierten mich besonders The Wizard of Oz und Alice’s Adventures in Wonderland, und ihre Erzählungen über das Zurückgewinnen von Handlungsmacht und Widerstandskraft sind mir geblieben. Ihre Geschichten und ihre ikonischen Bilder scheinen auch bei vielen anderen Menschen nachzuklingen und einen Kern unseres kulturellen Bewusstseins zu bilden. Ich glaube, dass dies meiner Arbeit eine gemeinsame visuelle Sprache gibt, die es den Betrachter:innen ermöglicht, sich mit meinen Bildern zu verbinden, während ich Erzählungen vermitteln kann, die aus dieser Kultur schöpfen, um sie zugleich zu untersuchen. Märchen wurden über viele Generationen hinweg neu erzählt und neu gedacht, sodass eine Geschichte von Adaptionen und Kontexten entstanden ist, die meine Arbeit anerkennt und weiterführt. Besonders interessiert mich die Auseinandersetzung mit weiblichen Archetypen, die innerhalb dieser Erzählungen geschaffen wurden, weitergetragen werden und unsere Erwartungen an die Rollen von Frauen in der Gesellschaft bis heute prägen. Ich nutze die Motive und die Ikonografie dieser wiedererkennbaren weiblichen Figuren, um starren und tief verankerten Vorstellungen von Weiblichkeit entgegenzutreten.
Not In Kansas: In Search of Courage; Lions and Tigers and Bears!; Not in Kansas
Wenn Sie eine neue Serie beginnen, woher kommt meist der erste Impuls, der eine ganze Welt in Bewegung setzt, und wie formt dieser erste Funke Figur, Raum und Atmosphäre weiter?
Ich bin mir nicht sicher, woher die Ideen kommen! Was auch immer dieser erste Inspirationsmoment ist, es kann lange dauern, bis daraus in meinem Kopf ein vollständig ausgearbeitetes Konzept entsteht, bevor ich überhaupt über die praktischen Aspekte der Umsetzung nachdenke. Das Konzept muss den Anforderungen von Planung und Logistik standhalten, die für ein Shooting nötig sind. Das bedeutet, dass Wochen, Monate oder sogar Jahre vergehen können, bevor ich bereit bin, ein neues Projekt zu fotografieren. Wenn ich die Planungsphase erreiche, kann es schwierig sein, meinen Wunsch nach einer bestimmten Figur oder Atmosphäre mit dem zu verbinden, was in Bezug auf Ort und Kostüm tatsächlich möglich ist. Wenn die erste Idee den praktischen Anforderungen der realen Welt standhält, entwickle ich sie weiter, bis daraus eine vollständig ausgearbeitete Erzählung entsteht.
Meine ursprüngliche Idee für Not In Kansas war zum Beispiel ein Modell in Dorothys rubinroten Schuhen in einem Supermarkt. Als ich diese Vision weiter durchdachte, wurde mir klar, dass ich die Spannung zwischen Realität und Fantasie einfangen wollte: die Banalität und Alltäglichkeit eines modernen Supermarkts im Gegensatz zur Fantasie des Entkommens, symbolisiert durch die rubinroten Schuhe, die unmittelbar an The Wizard of Oz erinnern. Letztlich habe ich diese Vision nie realisiert, da ich die Erzählung der Serie insgesamt nicht zu festgelegt oder zu wörtlich erscheinen lassen wollte.
In (great) Expectations und Hollywoodland arbeiten Sie mit stilisierten und sofort wiedererkennbaren Bildern von Weiblichkeit. Wie haben diese visuellen Welten Ihnen geholfen, Schönheitsideale, gesellschaftliche Erwartungen und die Rollen zu untersuchen, die Frauen bis heute zugeschrieben werden?
Ich greife immer wieder auf meine Faszination für das klassische Kino und den Glamour des goldenen Hollywood-Zeitalters zurück, um eine visuelle Kurzform für Spannung, Ernüchterung und Objektifizierung zu schaffen. Die Nostalgie für die Eleganz dieser Ära und die damit verbundenen Geschlechterhierarchien nutze ich zugleich als Inspiration und als Material für eine kritische Befragung. Solche wiedererkennbaren Bilder von Weiblichkeit werden auf der Leinwand künstlich geschaffen und verbergen tiefere psychologische Kämpfe, mit denen sich meine Arbeit auseinandersetzt. Beide Serien untersuchen, wie der beengende Druck, einem süßlichen Bild der perfekten Ehefrau und Mutter zu entsprechen, bis heute spürbar ist, während sich wandelnde Schönheitsideale, berufliche Ambitionen und häusliche Modelle das Ideal der perfekten Frau immer weiter außer Reichweite rücken.
In No Place Like Home erhält die Idee von Zuhause eine vielschichtige und zutiefst emotionale Bedeutung. Wie hat sich Ihr eigenes Verständnis von Zuhause im Verlauf der Serie verändert?
Eine der letzten Szenen in The Wizard of Oz ist mir immer geblieben: Dorothy wiederholt das Mantra „There is no place like home” und versetzt sich mit drei Klicks ihrer rubinroten Schuhe zurück nach Kansas. Die Kraft des Wunsches, nach Hause zurückzukehren, scheint auszureichen, um sie an einen anderen Ort und in eine andere Zeit zurückzubringen. Im wirklichen Leben können wir jedoch nie an einen vergangenen Ort oder in ein früheres Leben zurückkehren. Diese Serie erforscht den Wunsch, nach Hause zurückzugehen, an einen physischen und zugleich vorgestellten Ort, in der Hoffnung, sich selbst wiederzufinden. Die beiden Figuren in der Serie tragen diesen inneren Kampf zwischen der Fantasie eines früheren Selbst und dem gegenwärtigen, realen Selbst aus, innerhalb eines imaginierten Puppenhauses, in dem die beiden weiblichen Figuren gegeneinander und gegen die Bilder und Sehnsüchte nach Zuhause kämpfen, die aus der Kindheit projiziert werden. Während ich die Serie plante, wurde mir klar, dass der Ort ein Puppenhaus sein sollte, um diese Vorstellungen von Zuhause als materiellem und imaginiertem Ort zu spiegeln. Als ich über meine eigenen Erfahrungen mit diesem traditionellen Kinderspielzeug nachdachte, geriet ich in einen inneren Konflikt, weil liebevolle Erinnerungen mit der Erkenntnis kollidierten, dass diese miniature häusliche Welt jungen Mädchen auch die Rollen vermittelte, die sie später im Zuhause übernehmen sollten. Im Verlauf der Serie wurden meine eigenen Vorstellungen von Zuhause weniger rosarot, oder vielleicht rubinrot, gefärbt, als mir klar wurde, dass man nie wirklich nach Hause zurückkehren kann.
Ihre Fotografien lassen Raum für Stille, Mehrdeutigkeit und persönliche Deutung. Wie entscheiden Sie, was das Bild klar aussprechen muss und was es den Betrachter:innen zur eigenen Entdeckung überlassen soll?
Ich möchte, dass die Bilder die Betrachter:innen dazu anregen, neu darüber nachzudenken, auf welche Weise Weiblichkeit gefeiert und zugleich begrenzt wird. Ich nehme das Vertraute und mache es fremd. Ich nutze wiedererkennbare weibliche Figuren aus Literatur, Film oder Popkultur und verfremde und destabilisiere sie durch Inszenierung, Erzählung und Ort, um das Publikum zu einer kritischen Auseinandersetzung mit der Bildsprache und den Ideen anzuregen, die sie hervorruft. Vertraute visuelle Sprachen geben den Betrachter:innen einen Zugang zu meinen fantastischen Bildwelten und ermöglichen ihnen eigene Interpretationen und Entdeckungen, geprägt von ihrem eigenen Verständnis dieser Figuren.
Wenn Sie heute auf Ihre Serien als Ganzes blicken, welcher stärkste Faden verbindet sie, unabhängig von Geschichte, Figur oder Schauplatz?
Im Zentrum meiner künstlerischen Vision steht eine tiefe Faszination für die vielschichtige weibliche Erfahrung. Zu untersuchen, was es bedeutet, eine Frau zu sein, heißt auch, die vielen vorgefassten Vorstellungen weiblicher Identität zu hinterfragen, die durch kulturelle Erwartungen und gesellschaftliche Normen geprägt sind. Durch meine Arbeit ziehen sich wiederkehrende Fragen nach dem Umgang mit dem Druck, gesellschaftlichen Erwartungen an Weiblichkeit zu entsprechen, nach Selbstwahrnehmung, Identität und kollektiven Vorstellungen von Frausein sowie nach dem Konflikt zwischen Stärke und Verletzlichkeit.
Rubinrote Schuhe tragen in Vickys Arbeit eine Sehnsucht nach Aufbruch. Haar ist mit dem Körper und der Möglichkeit von Befreiung verbunden, und das Puppenhaus erinnert an Kindheit und an die frühesten Vorstellungen eines Mädchens von Zuhause. Wenn die Augen verborgen bleiben, wissen die Betrachter:innen nicht, wohin der Blick gerichtet ist oder ob er ihnen überhaupt gilt. Ihre Heldinnen stammen aus Geschichten, die wir wiedererkennen, doch in den Fotografien folgen sie nicht mehr dem Weg, der einst für sie vorgesehen war. Sie können die Richtung ändern, den Turm verlassen oder aus dem Bildrahmen treten und das mitnehmen, was sie nicht zeigen müssen.
