Leora Rosner: The Finestranaut
- 20. Mai
- 7 Min. Lesezeit
Welten, die sich im Glas öffnen
Leora Rosner kam 1975 nach Amsterdam und fand zwischen den Kanälen, den älteren Fassaden und dem wechselnden Licht der Stadt jene Motive, die sich Jahrzehnte später in der Serie The Finestranaut verdichten sollten. Den Begriff prägte sie selbst, abgeleitet vom italienischen Wort finestra, Fenster, um eine Art der Bewegung durch Bilder zu benennen, die im Glas entstehen, dort, wo Innenraum, Straße, Spiegelung und der Blick der Fotografin aufeinandertreffen.
Ihre Fotografien entstehen als Einzelbelichtungen. Leora geht durch die älteren Viertel Amsterdams, bleibt vor Fenstern stehen, arbeitet mit Distanz, Winkel und Licht und lässt die Unregelmäßigkeiten alten Glases Gebäude, Bäume und Farbe zu Bildern formen, die oft näher an der Malerei wirken als an klassischer Fotografie. In diesem Gespräch spricht sie über Amsterdam, über die erste Kamera, die sie Geduld lehrte, über Glas, das ein Bild verändert, und über einen Blick, der sich über die Jahre mit ihr weiterentwickelt hat.
Wann haben Sie zum ersten Mal erkannt, dass ein Fenster für Sie weit mehr ist als ein Motiv und zu einem Ort werden kann, an dem verschiedene Ebenen der Wirklichkeit zusammenkommen?
Ich nehme an, es begann, als ich 1975 zum ersten Mal nach Amsterdam kam. Ich trat in ein ganzes Universum von Fenstern ein: manchmal geschlossen, manchmal halb geöffnet und gelegentlich weit offen. Jedes einzelne gab Schritt für Schritt preis, was sich im Inneren, hinter dem Glas, befand, während es zugleich das spiegelte, was vor ihm lag, und auch das, was sich hinter mir befand. Dieses Spiel gegeneinandergestellter Wirklichkeiten faszinierte mich. Obwohl ich weiterhin andere Motive fotografierte, an verschiedenen fotografischen Projekten arbeitete und im Laufe der Jahre auch andere Tätigkeiten übernahm, war der Samen gelegt und begann nach mehreren Jahrzehnten schließlich zu wachsen.
Sie haben das Wort finestranaut geprägt, um Ihre eigene künstlerische Position zu beschreiben. Wie fasst dieser Begriff Ihre Beziehung zum Sehen, zum Raum und zum Bildmachen zusammen?
Ach ja. Ich brauchte einen Begriff, der beschreibt, was ich tue, und eines späten Abends unter der Dusche kam mir finestranaut in den Sinn. Wie Sie wissen, bedeutet finestra auf Italienisch Fenster. Für mich ist der Begriff finestranaut eine vollständige Beschreibung meiner Beziehung zum Sehen, im eigentlichen Sinne des Wortes, und in diesem Fall zu Fenstern. Ich sehe die verschiedenen Wirklichkeiten, den Raum und die Art, wie sie zusammenwirken. Manchmal greifen sie nicht ineinander, und daraus entsteht eine besondere Spannung, die mich ebenfalls packt, manchmal wie ein Schlag in den Magen. Wenn sie zusammenwirken, bringen sie meine Sinne zum Singen. Der Fensterrahmen hält all das zusammen, die Melodie, die Spannung und alles dazwischen.
Jede Ihrer Fotografien entsteht als Einzelbelichtung, ohne digitale Montage. Können Sie Ihren Prozess beschreiben, vom ersten Zusammentreffen mit einer Szene bis zum fertigen Bild?
Der Prozess ist, zumindest für mich, eigentlich sehr einfach. Die schwierigste Entscheidung meinerseits ist, wohin ich an einem bestimmten Fototag gehen werde. Interessanterweise sind die meisten meiner Bilder im Grachtengordel entstanden, dem Gürtel der wichtigsten Amsterdamer Kanäle, sowie in meinem eigenen Viertel rund um den Nieuwmarkt und im Plantage-Gebiet hier in Amsterdam. In jedem Fall fällt die Wahl immer auf ein älteres Viertel. Sobald ich entschieden habe, welchen Kanal oder welches Viertel ich besuchen werde, gehe ich aus dem Haus und mache mich auf den Weg. Meist fotografiere ich von einer Seite eines Kanals oder einer Straße zur anderen. Etwas zieht meinen Blick an, ich bleibe stehen, richte die Kamera aus und mache sofort die Aufnahme. Wenn ich mich nur minimal bewege, mich leicht nach rechts oder links lehne oder einen kleinen Schritt vor oder zurück mache, kann sich die Szene dramatisch verändern. Das geschieht durch die Verzerrung, die vom Alter des Glases herrührt. Ein weiterer Einfluss ist eine mögliche Tönung des Glases, die dem fertigen Bild eine Art Farbspiel geben oder einfach die gesamte Farbigkeit verändern kann. Wenn ich von Farbspiel spreche, meine ich keinen wirklichen Regenbogen; die Farben können fleckig werden, wie bei Rauschenberg, nur eben etwas weniger fleckig. Hinzu kommt, dass ich meistens oberhalb des Erdgeschosses fotografiere. Sobald ich die Bilder übertragen habe, gehe ich sie durch, treffe meine Auswahl und beginne damit, die Fenster geradezurichten. Das ist an sich nahezu unmöglich, denn die geradesten Fenster in Amsterdam gehören zu den neuen, modernen Gebäuden. Deshalb gibt es in meinen Bildern fast immer eine schiefe Seite, manchmal auch zwei. Außerdem verstärke ich die Farbe und retuschiere Staub und kleine Verschmutzungen weg, wodurch ich gewissermaßen auch zur Fensterputzerin werde.
In Ihrer Arbeit nehmen ältere Glasscheiben eine besondere Rolle ein, weil sie die Szene verzerren und unerwartete Formen öffnen. Wie zeigen solche Oberflächen die Welt anders als neues, flaches Glas?
Je älter das Glas ist, desto stärker ist die Verzerrung. Einmal sagte mir jemand, das liege teilweise an der Schwerkraft. Tatsächlich hängt es jedoch mit der Art zusammen, wie das Glas hergestellt wurde. Altes Glas wurde zu einem Zylinder geblasen, dann an der Seite aufgeschnitten und im Ofen erneut erhitzt, um es zu glätten. Dadurch konnten Blasen, Wellen, Kräuselungen, unterschiedliche Stärken und vieles mehr entstehen. Verunreinigungen gaben dem Glas einen leicht grünlichen oder gelblichen Ton. Alles, was sich in einem solchen Glas spiegelt, kann sich daher biegen, verdrehen, dehnen und/oder vollständig verzerren, mit hier und da einem lesbaren Bereich. Man könnte es fast lyrisch nennen! Modernes Glas hingegen verhält sich wie ein Spiegel, glatt und so vollkommen, wie man es sich nur vorstellen kann. Ich würde noch hinzufügen, dass es eine weitere moderne Glasart gibt, die ebenfalls verzerrt, allerdings meist auf eine breite Weise, die mir eigentlich nicht gefällt. Man erkennt sie sofort, wenn man betrachtet, wie die Spiegelungen verzerrt werden, denn der Effekt ist überall gleich, wo ich diese Art von Glas gesehen habe.
Sie sind umgeben von Kunst, Literatur, Museen, Musik und Ballett aufgewachsen. Was hat Sie unter all diesen Einflüssen zur Fotografie geführt, zu dem Medium, das sich für Sie am stärksten wie Ihr eigenes anfühlte?
Ich war immer eine Beobachterin und habe es immer geliebt, Fotografien, Bilder, Gemälde, Illustrationen und Ähnliches anzuschauen. Mich selbst in diese Welten hineinzudenken, war Teil des Prozesses. Erst viele Jahre später erzählte man mir, dass man mich als Kind oft als jemanden beschrieben hatte, der in seiner eigenen Welt lebte. „Wie recht sie hatten…“
Jedenfalls wurden meine Zeichnungen an der Kunstakademie immer hyperrealistischer. Andere Studierende begannen mir zu sagen, es sei vielleicht einfacher, Fotos zu machen, und das würde sicherlich deutlich weniger Zeit kosten. Eines Tages dämmerte mir, dass Fotografie genau das Richtige sein könnte.
Meine erste Kamera, die meinem Vater gehört hatte, war also eine alte italienische Spiegelreflexkamera von Rectaflex, einer Firma, die inzwischen nicht mehr existiert. Die Rectaflex galt als erste Kamera mit einem Pentaprismensucher auf Augenhöhe; sie brauchte jedoch noch Verbesserungen, und deshalb wurde sie meinem Vater geschickt. Mein Vater war unter anderem auch Erfinder. Nun, er schrieb ihnen nach Italien und schickte eine Liste mit Dingen, die an der Kamera verbessert werden sollten. Sie nahmen seinen Rat nicht an, und die Firma schloss ihre Pforten. So stand ich also einige Jahre später mit dieser Kamera da, die einen undichten Verschluss hatte, nicht richtig schloss, etwas langsam war und keine Belichtungsmessung durch das Objektiv hatte. Wegen ihrer Schwächen nannte ich sie Rectumflex. Da ich nicht aufgeben wollte und nichts über Kameras wusste, kaufte ich Film, ging hinaus und begann zu fotografieren. Ich nahm einen Notizblock mit und schrieb alles auf: Blende, Verschlusszeit, Film, Licht, Schatten, Tageszeit, wirklich alles bis ins kleinste Detail! Das machte ich bei jedem einzelnen Bild, das ich aufnahm.
Ein Freund aus der Abteilung für Grafik zeigte mir, wie man Film entwickelt. Von da an war ich nicht mehr zu bremsen, und ich liebte jede einzelne Minute davon. Ich war vollkommen gefesselt, obwohl mich diese Kamera wegen all ihrer Probleme wirklich arbeiten ließ. Umwege und Lösungen zu finden, gehörte ebenfalls zum Abenteuer. Irgendwann lieh ich mir 400 Dollar und kaufte eine Nikkormat, eine Nikon, mit einem 50-mm-Objektiv, und meine Welt wurde um 100 Prozent besser! Die Rectumflex verschwand irgendwann, was ich traurig finde, weil diese Kamera in gewisser Weise meine Lehrerin war. Wenn ich heute eine finden könnte, wäre das äußerst befriedigend!
Wenn Sie auf den Weg von Ihren früheren Arbeiten bis zu The Finestranaut zurückblicken, welcher Teil Ihrer Art zu sehen hat sich im Laufe der Jahre am stärksten verändert, und was ist gleichgeblieben?
Ganz einfach! Es ist, als würde ich mehr SEHEN, im eigentlichen Sinne des Sehens. Das Sehen ist… hm… größer, tiefer geworden? Vielleicht ist es im Grunde gleich geblieben. Wenn ich jetzt an eine Porträtserie denke, die ich vor vielen Jahren gemacht habe, gab es ein paar Menschen, die sich weigerten mitzumachen. Sie sagten, ich hätte in sie hineingesehen, ich sei ihnen zu nahe gekommen, und das habe sie stark beunruhigt. Ich sagte: Okay, kein Problem, und dann sagten sie mir wieder, ich sei ihnen zu nahe gekommen, ich könne in sie hineinsehen. Es war seltsam, denn ich hatte gar keine Diskussion darüber angefangen.
Also sagte ich erneut okay und ging weg. Ich nehme also an, das Wesentliche ist, dass ich immer noch auf dieselbe Weise SEHE; verändert hat sich nur, dass ich es heute unverhohlen tue. Es ist einfach ein Teil von mir! In letzter Zeit sage ich nur, dass ich ein sehr scharfes linkes Auge habe. Sie fragen sich vielleicht, warum das linke Auge… nun, das rechte Auge ist schrecklich faul und nur dabei, um die Fahrt zu genießen.
Wie hat Amsterdam, eine Stadt alter Fassaden, Schaufenster, Spiegelungen und wechselnden Lichts, Ihre fotografische Sprache geprägt?
Das wechselnde Licht, das Sie erwähnt haben, ist der entscheidende Bestandteil. An der Kunstakademie lernte ich zunächst, mit sehr hartem Licht umzugehen, mit grellem Weiß und tiefschwarzen Schatten, in denen alles verschwand. Ich lernte, das auszubalancieren, um klar zeigen zu können, was da war und was, wenn man so will, zu schüchtern war, um zu leuchten. Nach Amsterdam zu kommen, war auch eine Einführung in ein sanfteres Licht, eines, das streicheln, umhüllen, umarmen und manchmal auch schreien konnte. Die Skala war breiter und bot jede Abstufung zwischen hell und dunkel. Was für ein Gedanke, mit Licht arbeiten zu können, das formbar war und ein freundliches Gesicht hatte.
Heute gibt es eine kleine Ironie: Früher sagten die Leute zu mir, ich solle eine Kamera benutzen, und heute sagen sie oft, meine Fotografien sähen aus wie Gemälde. Wer hätte das gedacht…? Allerdings habe ich keine Absicht, mit dem Malen anzufangen, obwohl ich gelegentlich zeichne und auch schreibe. Und das werde ich weiter tun… ich habe noch einiges in petto.
Leora Rosner versteht Fotografie als Übung in Aufmerksamkeit und als Raum für Spiel. Ihre Geschichte trägt technische Disziplin in sich, Erinnerungen an eine unberechenbare Rectaflex-Kamera, Humor, beharrliche Neugier und das Amsterdamer Licht, das ihr Spektrum zwischen Dunkelheit und Helligkeit erweiterte.
Nach diesem Gespräch bekommt das Fenster eine weitere Rolle: Es wird zur Fläche, auf der Architektur, Licht, Bäume, die Bewegung der Straße und der Blick der Fotografin zu einem Bild zusammenfinden, das der Alltag allzu oft übersieht.
