Yinxue (Lucy) Zou
- AH Magazine
- vor 19 Stunden
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Yinxue ZouSprache, Struktur und der eigene Name
Ihre Arbeit beginnt mit klarer Struktur. Die Architektur hat ihren Blick für Hierarchien geschärft, für Beziehungen, Einstiegspunkte und auf die Bewegung von Aufmerksamkeit. In der Typografie fand sie eine Präzision, die Wahrnehmung allein durch Abstände, Zeilenumbrüche und Wiederholungen verschieben kann. Die Collage eröffnet ihr einen Raum, in dem Fragmente aus unterschiedlichen Kontexten unmittelbar aufeinandertreffen und Komplexität tragen dürfen, die sich einer eindeutigen Definition entzieht. Publikationen bieten ein Format, in dem Arbeiten Zeit gewinnen. Über Seiten hinweg, durch Taktung, Wiederkehr und erneutes Lesen. In diesem Gespräch spricht sie über How Do You Pronounce Your Name?, über Akzent und die permanente Selbstübersetzung, über die Disziplin des Kürzens und darüber, wie Design zu einer Abfolge von Entscheidungen wird, die emotionale Schwere tragen.
Bitte stelle dich vor. Wie verlief dein kreativer Weg? Was hat dich zur Typografie, zur Collage und zum Publizieren als grundlegender Sprache geführt?
Ich habe gelernt, mit Systemen zu arbeiten, bevor ich Stil gelernt habe. Jahre früher Architekturausbildung haben mir eine Grundsprache von Beziehung und Hierarchie, von Proportion und Zirkulation vermittelt, noch vor jeder Ausschmückung. Typografie und Collage wurden zunehmend zentral, weil visuelle Sprache Emotion und die Rückstände gelebter Erfahrung mit einer Ökonomie tragen kann, die ich als roh und wahr empfand. Übersetzung, Akzent, Abwehr, das ständige Erklärenmüssen und die feinen Anpassungen des Alltags beim Ankommen in einem neuen Land.
An der Typografie liebe ich die Spannung zwischen Logik und Fragilität, mit sichtbar gemachten rationalen Fundamenten. Verschiebst du den Abstand eines Buchstabens, erzwingst du einen Zeilenumbruch oder wiederholst ein Wort oder eine Wendung, entsteht ein zurückhaltender oder drängender Ton von erstaunlicher Präzision. Collage erlaubt mir, Fragmente wieder in Dialog zu bringen, Material aus verschiedenen Kontexten aneinanderzureiben, bis eine gemeinsame Realität sich nicht mehr auf einen Satz verdichten lässt.
Publizieren entstand aus Arbeiten, die Raum zum Leben brauchten. Notationen, die Rhythmus, Atem oder erneutes Lesen verlangen. Künstler:innenbücher und Zines sind für mich magische Behälter, halb Archiv, halb Novelle. Zu etwas, das man falten und stundenlang nah bei sich halten kann, hält man keinen Abstand.
Was hast du aus der Architektur mitgenommen und was hast du losgelassen, als du mit Schrift, Bildern und Collage zu arbeiten begonnen hast?
Die Architektur hat mir ein Gespür für Struktur und das Lesen im Maßstab vermittelt. Ich denke Kompositionen räumlich, auch wenn sie nicht architektonisch sind. Wo betritt man sie, wie zirkuliert Aufmerksamkeit, wo liegt das größte Gewicht? Selbst bei einem Plakat skizziere ich meist zuerst ein klares Rückgrat, eine Karte des Lesens und der Hierarchie, bevor Materialien in dieses System kommen.
Sie hat mir auch die Arbeit innerhalb von Parametern lieben gelehrt. Einschränkungen begrenzen Ausdruck nicht, sie schärfen Entscheidungen. Gib mir ein Regelwerk, und ich liefere fokussierte Emotionen. Grenzen können selbst gesetzt sein. Wie viele Schriften verträgt ein Bild, bevor es zu viele sind? Ich baue gern eine innere Logik für Systeme, sei es durch eine begrenzte Schriftzahl, eine reduzierte Farbpalette oder eine intensive Arbeit mit dem Raster.
Verändert hat sich beim Wechsel zur Typografie und Collage vor allem das Thema. Auch wenn in der Architektur Machtverhältnisse mitschwingen, eröffnete mir die Typografie Wege zu unmittelbareren Erfahrungen. Übersetzung, Akzent, der ständige Druck, sich zu erklären, und die Instabilität, die das Verlassen der eigenen Heimat begleitet. Ich fragte mich nicht mehr nur, ob eine Form funktioniert, sondern ob sie der Situation entspricht, statt sie glattzuziehen.
Bitte wähle eine Arbeit aus und beschreibe deinen Prozess vom ersten Gedanken bis zur fertigen Arbeit.
Sprechen wir über “How Do You Pronounce Your Name?”. An der Oberfläche ist das eine Frage, die oft höflich gemeint ist. Für mich ist sie zu einer Handlung geworden, die sofort Selbstübersetzung verlangt und Entscheidungen erzwingt. Wie viel erkläre ich? Vereinfache ich meinen Namen? Wie viel von mir gebe ich preis, um eine Situation sozial reibungslos zu halten?
Von Anfang an behandelte ich das als System, nicht als Zitat. Ich schrieb Stichworte auf. Korrektur, Worttrennung, Wiederholung, Höflichkeit, Demütigung, Druck und Atemraum. Wie lässt sich das Gewicht dieser Frage spürbar machen, nicht nur wörtlich, sondern als Gefühl in dem Moment, in dem jemand, den man gerade erst trifft, nach der Aussprache des eigenen Namens fragt? Wie lässt sich dieses Gefühl beim Betreten erzeugen und nicht erst bei näherer Betrachtung?
Dann entwickelte ich Rhythmus und Hierarchie typografisch. Ich zog die Frage nach vorn und schichtete Fragmente von Buchstabieren, Korrigieren und Aussprechen, bis es unerbittlich wirkte. Collage diente weniger dem Füllen von Raum als dem Schaffen von Behältern für Hinweise, die mein Gehirn in solchen Situationen aufnimmt, statt sie vor weiße Wände zu stellen. Ich wollte, dass der Konflikt sichtbar wird und zugleich, dass darin eine Komplexität lebt, die sich nicht mit einem Satz lösen lässt.
Wie entscheidest du, welche Text-, Übersetzungs-, Zeit- oder Ortsfragmente in die Arbeit kommen? Was bedeutet „es fühlt sich richtig an“?
Ich sammle Text-, Übersetzungs- und Zeit-Ort-Fragmente wie Beweise. Aufgeschnappte oder erinnerte Gespräche, Formulare, E-Mails, Straßenschilder, Aussprachekorrekturen, mir selbst noch einmal zugeflüstert. Kleine Momente, die sich still wiederholen und ihre winzigen Abgaben fordern.
Meine Quellen müssen nicht informationsdicht sein, um im Archiv zu bleiben. Sie müssen Druck erzeugen. Lücken in der Sprache, die Schwerkraft des Erklärtwerdens und das anschließende Wiederholen.
Das Kürzen ist der Ort meiner eigentlichen Entscheidungen. Ich frage mich, welche Arbeit dieses Fragment leistet. Ist es Struktur? Rauschen? Eine emotionale Landefläche? Klärt das Entfernen die Arbeit, geht es. Manchmal lasse ich bewusst Raum, statt ihn zu füllen, weil Raum ebenfalls Information ist. Er teilt mit, was sich nicht sagen lässt.
„Es fühlt sich richtig an“ ist selten Euphorie. Es ist leise. Ein Fragment landet, das Gravitationszentrum stimmt plötzlich, und man kann es nicht mehr anders lesen. Oder etwas, das aneinander reibt, hat endlich Platz. Für mich ist ein Werk fertig, wenn das Problem dort ankommt, wo es hingehört.
Wann wird eine Idee zu einem Plakat? Wann zu einer Publikation oder einem Künstler:innenbuch?
Plakatgestaltung ist für mich unmittelbares Erzählen im öffentlichen Raum. Sie muss in Sekunden Hierarchie und Dringlichkeit erzeugen und eine Situation nach vorn ziehen, sodass Sehen dem Denken zuvorkommt. Lässt sich eine Idee in einen deklarativen Satz, ein einziges scharfes Bild oder einen emotionalen Schlag destillieren, greife ich zum Plakat. Direkt, antagonistisch, frontal.
Andere Ideen widersetzen sich der Verdichtung. Nervosität, Statik, das Grundrauschen des Ankommens, das sich nicht auflöst. In diesen Fällen wird Publizieren kommunikativer. Seiten umzublättern schafft Atemraum, Zeit und Rhythmus. Wiederholung und erneutes Lesen werden Teil der Architektur des Projekts. Bücher tragen langsameres Verarbeiten und erlauben Umwege.
Ich liebe auch die Intimität haptischer Publikationen im Vergleich zu Plakaten. Plakate hängen im öffentlichen Raum. Sie rufen. Ein Zine oder Buch fühlt sich an, als würde man jemand anderen in die eigene Bibliothek falten. Gehalten, mitgenommen, neben sich gelegt. Bücher sehe ich als greifbare Archive, Plakate als Banner.
Wie entwickelte sich "How Do You Pronounce Your Name?" und was hast du über Sprache und Identität gelernt?
„HOW DO YOU PRONOUNCE YOUR NAME?“ entstand aus einer Frage, die mir ständig gestellt wird. Auf dem Papier wirkt sie harmlos. Doch aus Frust oder Ungeduld entsteht oft eine Form der Prüfung. Der Name markiert Differenz, und man soll sich sofort in eine Version übersetzen, die für andere am leichtesten auszusprechen ist. Es ist unmittelbare emotionale Arbeit. Nach vielen Wiederholungen wird daraus weniger Kommunikation als Verhandlung.
Ich wollte, dass die Bilder Dauer ausdrücken. Typografische Schichtungen und Reibungen erzeugen eine Spannung, die man als Betrachter:in spürt. Korrekturen, stotternde Trennungen, Wiederholungen und Pausen werden zu einem Programm, das sich endlos aufbaut und das man nicht verlassen kann. Das Zusammenfügen von Textfragmenten aus anderen Kontexten stört die Idee des Privaten. Was privat sein sollte, liegt plötzlich offen wie eine Leiterplatte. Alle, die Englisch als Zweitsprache gelernt haben, kennen diese Höflichkeit. Sie ist keine Mitgefühlsgeste, sondern ein allgegenwärtiges Mikro-Machtgefälle im interkulturellen Austausch.
Sprache ist mehr als Kommunikation. Sie speichert körperliche und soziale Geschichten. Der eigene Name ist etwas, das man im Privaten bewahrt und im Öffentlichen immer wieder einsetzt. Ich wollte diesen Kampf nicht auf eine Opfererzählung reduzieren. Ich wollte alles darin würdigen. Den Wunsch, richtig verstanden zu werden. Die Sorge, es nicht zu werden. Die Müdigkeit des Erklärens. Und die Weigerung, den eigenen Namen der Bequemlichkeit halber zu verändern.
Wie wählst du Themen fürs Lehren und was sollen Studierende als Erstes verstehen?
Ich wähle Lehrthemen dort, wo Studierende am häufigsten feststecken. Für viele bedeutet Design, Dinge schön zu machen. Was Lautes von etwas Durchschlagendem trennt, sind Struktur, Hierarchie und harte Schnitte. Plakatgestaltung, Collage und Zines eignen sich, weil Entscheidungen sichtbar werden. Wie Rhythmus mit Schrift entsteht, was bleibt und was geht. Außerdem nehmen Teilnehmende am Ende des Tages etwas Physisches mit nach Hause, was sich gut anfühlt.
Vor allem sollen Studierende zwei Dinge verstehen. Erstens, Design ist Entscheiden. Was zählt am meisten? Was lässt sich abziehen? Wie führt man den Blick? Welchen emotionalen Vertrag schließt die Arbeit, noch bevor gelesen wird? Zweitens, ihr habt bereits alles, was ihr für eine visuelle Sprache braucht. Eure Materialbibliothek ist jahrelang gewachsen. Ihr glaubt nur, noch nicht so weit zu sein. Sprache, gelebte Erfahrung, Kultur und tägliches Sammeln bieten unendliche visuelle Impulse. Man muss sich nur hineinwagen.
Vom Konzept bis zur Umsetzung gliedere ich den Prozess klar. Wir positionieren das Konzept, legen Schlüsselwörter fest und skizzieren einfache Hierarchien. Wir setzen Einschränkungen, maximale Schriftzahl, erlaubte Farben, Rasterrichtung, bevor wir in die Collage gehen. Ich vermittle das Editieren nach Gefühl. Warum etwas landet und bleiben muss und warum etwas schmerzt und gehen sollte. Mein Ziel ist nicht zwingend ein einziges gelungenes Endprodukt. Es ist ein wiederholbarer Prozess. Beim nächsten leeren Blatt wissen Studierende, wie sie Chaos in Struktur und Leben in etwas Lesbares verwandeln.
In diesem Gespräch steht der Name im Zentrum, mit all seinen Schichten. Ihr Ansatz lässt Design mit einer Frage beginnen und sich dann durch präzise Schnitte, Abstände, Zeilenumbrüche, Wiederholung und Pause bewegen. Kleine Verschiebungen in der Sprache werden sichtbar, und Form trägt, was alltägliche Rede oft nicht halten kann.
Yinxue (Lucy) Zou
