HAOCHEN HE
- ARTISTIC HUB MAGAZINE
- 20. Okt.
- 7 Min. Lesezeit
Wenn Struktur zerbricht, entsteht Sinn
Architektur, Kunst und Fotografie verschmelzen in seiner Arbeit zu einer gemeinsamen Sprache, präzise, reflektiert und zutiefst persönlich.
Er ist Architekt und bildender Künstler. Seine Arbeit erforscht die Grenzen zwischen Raum und Identität. Geboren in China und heute in den Vereinigten Staaten tätig, hat er sein Studium an der Cornell University abgeschlossen und entwickelte seine Laufbahn im Bereich großmaßstäblicher Architekturprojekte. Hinter der technischen Präzision seiner Ausbildung liegt jedoch eine sehr persönliche Sicht auf die Welt, in der Struktur zu einer Form der Untersuchung wird und Raum zum Medium des Denkens. Seine künstlerische Praxis entfaltet sich an der Schnittstelle von Architektur, Fotografie und visuellem Design. In Serien wie 404 Stair Not Found, Dot Matrix Identity und Continuum of Comics untersucht Haochen die Momente, in denen Funktionalität in Symbolik übergeht. Ein Fragment, ein Fehler oder eine digitale Unterbrechung markieren in seiner Arbeit nicht das Ende der Struktur, sondern den Beginn neuer Bedeutung. In diesem Gespräch öffnet er ein Fenster zu einer Welt, in der Architektur den menschlichen Geist spiegelt und Kunst zu einem Mittel wird, das Unausgesprochene des Alltags zu bewahren.
Ihr Projekt 404 Stair Not Found behandelt die Treppe nicht nur als architektonisches Element, sondern auch als Metapher für Fehler und Bruch. Was hat Sie zunächst dazu gebracht, die Treppe auf diese Weise zu sehen, und wie hat sich das Projekt aus dieser Idee entwickelt?
Die Idee entstand während einer architektonischen Studie, in der ich Bewegung und Zirkulation mithilfe digitaler Modelle untersuchte. Mich faszinierte das Konzept des digitalen Zwillings - eines Systems, das physische Leistung mit absoluter Präzision nachbilden und vorhersagen soll. Innerhalb dieses Rahmens begann ich mich zu fragen, was geschieht, wenn solche Systeme scheitern oder die Verbindung zu den Realitäten verlieren, die sie abbilden sollen. So kam ich zur Treppe, einem Element, das Übergang und Kontrolle physisch verkörpert. Beim Beobachten unvollendeter oder unterbrochener Bauwerke, deren Treppen nirgendwohin führen, begann ich sie als Momente zu sehen, in denen Architektur ihre eigenen Grenzen offenbart und eine psychologische Dimension unter ihrer Ordnung sichtbar wird.
Im Verlauf des Projekts verwandelte sich die Treppe von einem funktionalen Element in ein konzeptionelles Gerüst. Anfangs existierte sie als räumliches Experiment in meiner architektonischen Abschlussarbeit, in dem Bewegung und Zugang durch virtuelle Simulationen untersucht wurden. Allmählich verlagerte sich der Fokus von Darstellung zu Bruch. Ich begann, diese Studien in Modelle, Fotografien und digitale Kompositionen zu übersetzen, die Unterbrechung und Mehrdeutigkeit betonten. Was als Untersuchung architektonischer Präzision begann, entwickelte sich zu einer Reflexion darüber, wie Systeme - digitale wie menschliche - fragmentieren, sich verzerren und in ihren unvollendeten Zuständen fortbestehen.
404 Stair Not Found
In der Serie Dot Matrix Identity erscheinen Figuren durch Verhüllung und teilweise Präsenz. Wie haben Sie dieses Konzept entwickelt, und wann wird Verhüllung zu mehr als einem ästhetischen Mittel - zu einem Akt des Widerstands oder zu einer Auseinandersetzung mit Identität?
Das Konzept entstand während eines Gesprächs mit einem der Modelle, mit denen ich zusammenarbeitete. Ich spreche oft mit meinen Mitwirkenden, bevor ich fotografiere, um Vertrauen und Verständnis aufzubauen. Während eines dieser Gespräche sagte das Model, es sei müde, ständig betrachtet zu werden. Dieser einfache Satz blieb mir im Gedächtnis. Er brachte mich dazu, über die Ambivalenz von Sichtbarkeit nachzudenken - darüber, wie sie zugleich ermächtigend und erschöpfend sein kann, und wie das Sich-Zeigen manchmal bedeutet, die Kontrolle über das eigene Bild zu verlieren. Aus diesem Moment heraus entstand die Idee der Verhüllung als eine Möglichkeit, zu hinterfragen, was es bedeutet, gesehen zu werden.
Im weiteren Verlauf des Projekts begann ich, das Verbergen nicht als Rückzug, sondern als bewussten Akt der Selbstdefinition zu begreifen. Jede Figur in der Serie existiert zwischen Präsenz und Verschwinden und spiegelt die Komplexität von Identität in der Gegenwart wider. In einer Zeit, die von Sichtbarkeit und Selbstdarstellung geprägt ist, wird Verhüllung zu einer Form von Handlungsmacht - zu einer Möglichkeit, Autonomie darüber zurückzugewinnen, wie Identität gestaltet, geteilt oder zurückgehalten wird.
Dot Matrix Identity
Continuum of Comics verbindet die visuelle Sprache der Comics mit digitalen Glitch-Effekten. Was hat Sie dazu inspiriert, diese beiden Welten zusammenzuführen, und wie spiegelt die Serie Ihr Verständnis zeitgenössischer Identität wider?
Bilder bleiben heute nicht mehr still. Sie werden kopiert, gefiltert und neu geschaffen, bis die Grenze zwischen Original und Nachahmung verschwindet. Mich zog diese Instabilität an, dieses Spiel, in dem visuelle Systeme Ordnung schaffen und zugleich ihre eigene Fragilität offenlegen. Sowohl Comics als auch digitale Glitches verkörpern dieses Paradox. Comics folgen einem strengen visuellen Rhythmus, doch ihre Bedeutung entsteht im Zwischenraum der Bilder. Glitches dagegen unterbrechen und enthüllen die verborgene Logik des Digitalen. Beide zusammen ermöglichten mir, zu erforschen, wie Klarheit und Verzerrung in der Konstruktion von Identität nebeneinander existieren.
Mein Hintergrund in Architektur prägte diesen Prozess auf natürliche Weise. Die Art, wie ich über Rhythmus, Rahmung und räumliche Logik nachdenke, übertrug sich auf die Anordnung der Panels und visuellen Intervalle jeder Komposition. Comics wurden so zu einem idealen Medium für den Dialog zwischen Kontrolle und Unterbrechung.
Beide, Comics und Glitches, bieten gegensätzliche Wege, Identität zu formen. Das Comicporträt idealisiert und vereinfacht die Figur, verwandelt sie in ein klares visuelles Symbol, während der Glitch diese Klarheit stört und die Brüche innerhalb der Darstellung offenlegt. Ihr Nebeneinander spiegelt wider, wie Identität heute aus bearbeiteten Bildern, Online-Profilen und algorithmischen Spiegelungen zusammengesetzt wird. Versionen unseres Selbst werden fortlaufend neu geformt und interpretiert. Durch diesen Dialog reflektiere ich, wie das menschliche Bild innerhalb dieser Systeme überdauert - zwischen Authentizität und Simulation.
Continuum of Comics
Sie arbeiten an großmaßstäblichen Architekturprojekten für ein breites Publikum, während Ihre künstlerische Praxis oft Stille, Abwesenheit und intime Momente untersucht. Wie beeinflussen sich diese beiden Erfahrungen gegenseitig?
Die Arbeit in der Architektur hat mir gezeigt, dass auch in kollektiven Umgebungen Intimität durch Gestaltung entstehen kann. Großprojekte dienen vielen Menschen, doch in diesen öffentlichen Strukturen gibt es Räume des Rückzugs - private Zimmer, versteckte Orte oder leise Übergänge, die Distanz und Reflexion erlauben. Mich faszinieren diese Übergänge zwischen Offenheit und Abgeschiedenheit, zwischen dem, was geteilt wird, und dem, was bewahrt bleibt. Meine künstlerische Arbeit wächst aus dieser Spannung und überträgt räumliche Ideen der Verhüllung in visuelle und psychologische Formen.
Architektur und Kunst beeinflussen sich ständig gegenseitig. Architektur lehrt mich, in Struktur und Rhythmus zu denken, zu verstehen, wie Form Erfahrung prägt. Kunst erinnert mich daran, dass auch in großen, gemeinschaftlichen Räumen Emotion gegenwärtig bleiben muss, damit Gestaltung nicht von der menschlichen Erfahrung getrennt wird. Umgekehrt verleiht Architektur meiner Kunst Klarheit und räumliche Logik. Beide Disziplinen verfeinern sich gegenseitig und schaffen einen Dialog zwischen Emotion und Präzision, zwischen sichtbarer Struktur und innerem Leben.
Wenn Sie von Architektur zur Fotografie wechseln, verändert sich Ihre Wahrnehmung? Nähern Sie sich der Arbeit weiterhin mit einem „architektonischen Rahmen“, oder erlaubt Ihnen Fotografie eine andere Form von Fokus und Freiheit?
Als ich mit der Fotografie begann, war Architektur oft mein Hauptmotiv. Ich betrachtete sie durch eine klassische architektonische Linse - Linien, Raster, Fassaden - und konzentrierte mich auf Balance, Proportion und räumliche Ordnung. Mit der Zeit erkannte ich, dass Architektur keine statische Kunst ist, sondern von Bewegung geprägt wird. Beton und Stahl bleiben zwar bestehen, doch Licht, Atmosphäre und menschliche Präsenz verwandeln unaufhörlich, was wir sehen. Diese Erkenntnis veränderte meine Arbeitsweise, bevor sie meine Motive veränderte. Ich begann, den Rahmen zu lockern, fotografierte aus der Hand, experimentierte mit Brennweiten, arbeitete mit geringer Schärfentiefe und selektivem Fokus. Ich zeichnete Lichtbewegungen mit Langzeitbelichtungen auf, ließ Bewegungsunschärfe zu, schichtete Spiegelungen und Vordergrundelemente und wartete, bis Körper das Bild betraten. In der Nachbearbeitung baute ich Sequenzen auf, die Rhythmus und Erzählung andeuteten. Diese Ansätze prägen heute auch Porträts, Landschaften und Naturaufnahmen - ebenso wie meine architektonischen Fotografien, in denen ich vermitteln möchte, wie Raum atmet und wie Zeit und Menschen ihn beleben.
Fehler, Glitch und Unvollständigkeit sind in Ihrer Arbeit keine Hindernisse, sondern Quellen neuer Bedeutung. Können Sie ein Beispiel nennen, bei dem ein solcher „Fehler“ zu einer Entdeckung und zu einer neuen Serie führte?
Wenn ich darüber nachdenke, wie Fehler oder Unvollständigkeit in meiner Arbeit Bedeutung gewinnen, erinnere ich mich oft an ein Erlebnis in einem Wohnprojekt in Chongqing. Der Turm war nach dem Bankrott des Bauträgers unvollendet geblieben, doch Familien begannen, ihn zu bewohnen und aus dem rohen Betonrahmen provisorische Wohnungen zu schaffen. Ich kam mit der Absicht, das Fehlende zu vervollständigen, doch zu sehen, wie Bewohner Küchen aus Bauschutt bauten und Vorhänge als Raumteiler nutzten, veränderte mein Verständnis von Scheitern. Ihre Handlungen verwandelten das Unfertige in etwas Lebendiges. Ich begann, das Projekt nicht als Problem, sondern als Prozess zu begreifen. Das Design entwickelte sich aus dem Vorhandenen, Fragmente wurden zum Fundament von Erneuerung. Diese Erfahrung lehrte mich, dass Unvollständigkeit eine Form von Widerstandsfähigkeit sein kann, kein Zeichen des Mangels.
Eine ähnliche Einsicht hatte ich bei einem Memorialprojekt, als ein handgegossenes Betonmodell beim Trocknen unerwartet riss. Anstatt es zu verwerfen, veränderte ich die Beleuchtung, bis die Risse Teil der Komposition wurden. Was als Fehler begann, offenbarte eine neue Sicht auf Struktur und Verletzlichkeit. Solche Momente – von großmaßstäblichen Bauwerken bis zu kleinen Modellen – haben mir gezeigt, dass das, was wir Fehler nennen, oft eine Öffnung ist. Sie lädt dazu ein, neu zu denken, sich anzupassen und Bedeutung weiterzuentwickeln. So bleibt jedes Projekt offen, niemals endgültig.
Wenn Sie auf Ihre bisherigen Serien zurückblicken, welches Werk steht Ihrer persönlichen Philosophie am nächsten, und was wünschen Sie sich, dass das Publikum aus Ihrer Kunst mitnimmt?
Unter meinen Arbeiten steht 404 Stair Not Found meiner Philosophie am nächsten. Es begann als Erforschung räumlicher Systeme, entwickelte sich jedoch zu einer Reflexion darüber, wie Abwesenheit selbst konstruiert werden kann. Die Treppe, üblicherweise ein Werkzeug der Bewegung, wurde als Raum gedacht, der nirgendwohin führt - als Infragestellung jener Logik von Fortschritt und Vollendung, die Architektur wie digitale Kultur prägt. In diesem Werk begegnen sich Architektur und Kunst: das eine ist mein Ursprung, das andere der Ort, an dem ich diesen Ursprung hinterfrage.
So entdeckte ich, dass Disziplin auch einen Weg zu Unsicherheit, Verletzlichkeit und Vorstellungskraft öffnen kann. Ich wünsche mir, dass Betrachterinnen und Betrachter einen Moment des Wiedererkennens erleben, in dem das Werk leise etwas in ihrem eigenen Leben berührt. Manche sehen darin vielleicht eine persönliche Metapher, andere eine Reflexion über Strukturtheorie. Meine Absicht ist es nicht, eine eindeutige Interpretation vorzugeben, sondern einen Raum für Nachdenken zu schaffen, in dem Struktur und Emotion nebeneinander existieren. Ich möchte, dass das Publikum spürt, dass jede Form sowohl Präzision als auch Fragilität trägt und dass das Verstehen von Kunst ebenso sehr durch Empathie wie durch Analyse entsteht.
Square Exit
Haochen Hes künstlerisches Werk zeigt, wie fließend die Grenze zwischen Technischem und Emotionalem sein kann. Jede seiner Kompositionen entsteht aus einer tiefen Aufmerksamkeit für Details und aus der Bereitschaft, das Vertraute zu hinterfragen. In diesem Prozess wird Architektur zu einem Spiegel des Denkens und Kunst zu einem Weg, die Räume zu begreifen, die uns prägen. Seine Werke sind keine Abbilder der Realität, sondern Spuren der Erkundung - ein Versuch zu verstehen, wie Material, Form und Idee auf derselben Ebene koexistieren können.
Dieses Streben macht seine Kunst offen, nachdenklich und zutiefst zeitgenössisch.
HAOCHEN HE DESIGN
