EINE WELT IN SCHICHTEN: SHAWN MARSHALL
- ARTISTIC HUB MAGAZINE
- 6. Sept.
- 6 Min. Lesezeit
LOUISVILLE, KY | USA
Ein Gespräch mit der Künstlerin, die Architektur in die Poesie der Collage verwandelt
Es gibt Künstlerinnen und Künstler, deren Werke wie ein Tagebuch des Lebens wirken, geschrieben aus Fragmenten von Räumen, Erinnerungen und Emotionen. Shawn Marshall gehört zu dieser seltenen Gruppe von Kreativen. Geprägt von unterschiedlichen Kulturen, von der Architektur und einer tiefen Neugier auf die Welt, hat sie eine künstlerische Sprache entwickelt, in der Beständigkeit auf Vergänglichkeit trifft, Ritual auf Intimität und Struktur auf Freiheit. Ihre Collagen und Malereien sind sowohl visuelle Kompositionen als auch Räume, in denen Figuren und Formen miteinander in Dialog treten, in denen Mauern und Bögen zu Symbolen werden und wiederverwendete Materialien zu Metaphern für Widerstandskraft und Erneuerung. In dieser Verbindung aus Erfahrung und Intuition begegnen wir einer Künstlerin, die davon überzeugt ist, dass Kunst sowohl Zuflucht als auch Herausforderung sein kann, ein Raum der Hoffnung und ein Ort der Reflexion.
Sie sind in verschiedenen Kulturen aufgewachsen, haben einen Teil Ihrer Kindheit in Zypern, im Libanon und in Deutschland verbracht, wo Museumsbesuche und Begegnungen mit Kunst zum Alltag gehörten. Gab es rückblickend einen Moment in diesen frühen Jahren, der Sie unwiderruflich auf den Weg zur Kunst geführt hat, obwohl Sie zunächst Architektur studierten?
Es gab keinen einzigen Moment, in dem ich bewusst entschieden habe, Künstlerin zu werden. Ich wusste einfach schon früh, dass es das ist, was ich machen wollte. Das Aufwachsen im Ausland, umgeben von unterschiedlichen Kulturen, von Kunst und Architektur aus aller Welt, hat meine Bewunderung und Wertschätzung nur vertieft. Viel verdanke ich der Liebe meiner Eltern zur Kunst. Sie nahmen uns mit in Museen, zu architektonischen Stätten und musikalischen Aufführungen und sorgten dafür, dass wir das Essen, die Musik und die Bräuche jedes Landes, in dem wir lebten, kennenlernen konnten.
Ihre Ausbildung und lange Berufserfahrung in der Architektur prägen ganz offensichtlich die Art, wie Sie Schichten aufbauen und Kompositionen strukturieren. In welcher Weise greifen Sie bewusst oder unbewusst auf die Sprache der Architektur in Ihren Collagen und Malereien zurück?
Bewusst komponiere ich mit einem architektonischen Gespür: ich richte Kanten aus, wiederhole Rhythmen und ordne positive und negative Räume. Die Titel vieler Werke wie Metropolis, Roadway oder Chapel verweisen auf Oberflächen oder Formen gebauter Umgebungen und verstärken diese strukturelle Sprache. In meinen Collagen, die sich auf die weibliche Präsenz konzentrieren, wie Decorative, still und Armored, still, nutze ich architektonische Motive sowohl als Gerüst als auch als Kontrast. Säulen, Bögen und ornamentale Muster bilden symbolische Hintergründe, vor denen die weibliche Figur erscheint und Räume herausfordert, die traditionell von männlicher Autorität bestimmt wurden.
Unbewusst beeinflusst mein Hintergrund in der Architektur wahrscheinlich meine intuitiven Entscheidungen, etwa wo sich eine bestimmte Textur verankert oder wie das Maß eines Fragments mit anderen interagiert, um Tiefe und Hierarchie zu erzeugen. Selbst in intimen Arbeiten wie Stamina, Transcendence und Altar gibt es ein Gefühl von Struktur, eine grundlegende Geometrie, die alle Elemente still trägt.
In Ihrer Arbeit erforschen Sie die Spannung zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit, zwischen dem Heiligen und dem Profanen. Gibt es ein Werk oder eine Serie, die für Sie diese Idee am stärksten verkörpert?
Ein Werk, das für mich diese Spannung besonders eindrücklich ausdrückt, ist Altar. Schon der Titel ruft Assoziationen an Ritual, Hingabe und Tradition hervor, während die Collagetechnik mit Schichten, Fragmenten und überlagerten Bildern Vergänglichkeit, Erosion und Transformation spürbar macht. Ich sehe darin einen architektonischen und zugleich sakralen Raum, der für Dauer bestimmt ist, aber leise zurückgewonnen, neu interpretiert oder sogar zerlegt wird. Das Werk hat eine spirituelle Qualität und eine Atmosphäre der Ehrfurcht, bleibt jedoch bewusst unruhig. Auch Divine Order und Chapel gehören in diese Kategorie. Divine Order verweist auf ein kosmisches oder spirituelles Gesetz, doch die Schichtung von zerrissenem oder kontrastierendem Material macht deutlich, dass solche Ordnung konstruiert, zerbrechlich und wandelbar ist. Chapel nimmt Bezug auf eine sakrale Architekturform, doch durch die Collagetechnik wirkt es flüchtig und gleichzeitig bedeutungsvoll, getragen von der Schwere der Tradition und der Möglichkeit der Neuinterpretation.
Während der Pandemie begannen Sie, verworfene und recycelte Materialien in Ihre Malerei einzubeziehen. Welche ästhetischen und emotionalen Dimensionen brachte dieser Wandel in Ihre Arbeit?
Während der Pandemie begann ich, verworfene und recycelte Materialien einzusetzen. Dieser Schritt verlieh meinen Arbeiten eine neue Bedeutungsebene. Ästhetisch erweiterte er die Oberflächen, brachte unerwartete Texturen, unregelmäßige Kanten und ein Gefühl von Geschichte, das in den Materialien selbst liegt. Für mich war es ein großartiges Ventil. Emotional fühlte es sich wie ein Weg an, Verlust und Unsicherheit in etwas Schöpferisches zu verwandeln. Mit dem, was weggeworfen worden war, zu arbeiten, wurde zu einer Metapher für Widerstandskraft und Erneuerung. Es ermöglichte mir, Collage und Malerei mit einer Haltung des Entdeckens statt des Kontrollierens zu begegnen, was bis heute meine Praxis prägt.
In vielen Ihrer Werke erscheinen weibliche Figuren in Räumen, die historisch von Männern geprägt wurden. Wie verändert sich die Atmosphäre dieser Räume, wenn Sie eine weibliche Präsenz einfügen, und was möchten Sie, dass die Betrachtenden in diesen Kompositionen wahrnehmen?
Wenn ich weibliche Figuren in Räume einfüge, die historisch von Männern geprägt sind, verändert sich die Atmosphäre von Autorität und Ausschluss hin zu Präsenz und Teilhabe. Die Figuren mildern oder durchbrechen oft die Strenge dieser Umgebungen und eröffnen Raum für neue Erzählungen. Ich wünsche mir, dass die Betrachtenden erkennen, wie diese Kompositionen fragen, wer sichtbar war, wer unsichtbar blieb und wie sich diese Räume verändern, wenn Frauen darin erscheinen.
Ihre Werke, von Serien, die Horizonte aufgreifen, bis hin zu Collagen, die kosmische Landschaften evozieren, scheinen stets ein Element von Hoffnung und Reflexion zu tragen. Was möchten Sie, dass jemand, der vor einem Ihrer Bilder steht, aus dieser Begegnung mitnimmt?
Danke. Es freut mich, dass meine Arbeiten mit Hoffnung in Verbindung gebracht werden. Ich empfinde selbst Hoffnung. Ich denke, wir alle brauchen eine Erinnerung daran, dass Hoffnung existiert, besonders in schwierigen Zeiten. Sowohl in den Horizont-Arbeiten als auch in den kosmischen Collagen zieht es mich zu einem Gefühl der Weite, doch innerhalb dieser Weite versuche ich, einen Faden der Hoffnung zu weben, den Hinweis, dass Schönheit und Möglichkeit auch in fragmentierten oder geschichteten Räumen zu finden sind. Meine Arbeiten sollen offen bleiben und genügend Mehrdeutigkeit tragen, damit die Betrachtenden sie auf ihre eigene Weise betreten und eine persönliche Verbindung oder Geschichte entdecken können. Für mich liegt Hoffnung im Ungewissen und im Unbekannten, auch wenn das unbequem ist.
Mit Anfang vierzig entschieden Sie sich, die Architektur aufzugeben und sich ganz der Kunst und dem Unterrichten zu widmen. Was führte zu diesem Wendepunkt, und wie hat er Ihren künstlerischen Weg geprägt?
Meine Entscheidung, die Architektur zu verlassen, entstand durch mehrere Ereignisse, die zeitgleich zusammentrafen. Im Jahr 2008 wurde ich während der Finanzkrise entlassen, als die Bauwirtschaft stark einbrach. Im selben Jahr ging meine Ehe zu Ende, und ich zog mit meinem Sohn in eine Wohnung. Schon lange hatte ich erwogen, in die Schule zurückzukehren, um Lehrerin zu werden, und diese Umstände wurden schließlich zum Auslöser, diesen Weg zu gehen.
Bedeutende Präsentationen stehen bevor, darunter Ihre Arbeiten für das KMAC Museum im Jahr 2025 und Ihre Teilnahme an der LA Art Show im Januar 2026. Was bedeutet es für Sie, auf diese größeren Bühnen zu treten, und wie sehen Sie die Entwicklung Ihrer Praxis in den kommenden Jahren?
Ich bin begeistert und zutiefst dankbar für die Chancen, die vor mir liegen, sowohl mit dem KMAC-Museum als auch mit der LA Art Show. Dass meine Arbeiten dort gezeigt werden, fühlt sich gleichzeitig bestätigend und belebend an. Beide kommenden Ausstellungen ermutigen mich, meine Praxis weiter zu entwickeln. Ich sehe darin die Gelegenheit, mit einem größeren Publikum in Verbindung zu treten, während ich weiterhin neue Richtungen in der Collage erkunde, den Maßstab erweitere und die erzählerische Tiefe meiner Arbeiten vertiefe. Mehr als alles andere freue ich mich darauf, wie diese Momente der Sichtbarkeit mich als Künstlerin herausfordern und wachsen lassen werden.
In unserem Gespräch mit ihr wird klar, dass Kunst für sie sowohl Beruf als auch Lebensweise ist. Jedes ihrer Werke trägt Spuren der Vergangenheit und Versprechen für die Zukunft, balanciert Ordnung und Chaos, das Heilige und den Alltag. Am stärksten berührt ihre Offenheit, die Ungewissheit als Teil des schöpferischen Prozesses zuzulassen, und die Art, wie sie Hoffnung in dieser Ungewissheit findet. Wer ihre Werke betrachtet, tritt in die Welt einer Künstlerin ein und gleichzeitig in die eigenen Geschichten und Gefühle.
In dieser Offenheit liegt die eigentliche Kraft ihrer Kunst, die uns daran erinnert, dass wir in Schichten, Fragmenten und Vergänglichkeit immer auch Stärke und Schönheit finden können.
