AGUSTINA GARRIGOU

8. Apr.
6 Min. Lesezeit

Wandel als Form

In Barcelona formt sie Keramik als eine Abfolge von Kapiteln über Identität, Migration und Tradition, sobald diese auf das zeitgenössische Leben treffen und sich verändern.

Agustina Garrigou versteht Keramik als einen Prozess ohne Endpunkt. In ihrer Arbeit entsteht Form aus Bewegung, aus gelebten Übergängen, aus Lernen und aus dem allmählichen Lösen fester Strukturen. Zwischen Industriedesign und handwerklicher Praxis, zwischen Argentinien und Barcelona, zwischen überlieferten Traditionen und Gegenwart hat sie eine künstlerische Sprache entwickelt, die im Wandel verankert ist.

Ihre keramischen Formen lesen sich wie Notizen zu einer Identität in Bewegung. Sie greifen natürliche Prozesse, geologische Schichten und organische Transformationen auf, doch im Kern steht immer eine persönliche Geschichte. Jedes Objekt gehört zu einem größeren Ganzen, zu einem Kapitel innerhalb einer fortlaufenden Erzählung, die sich nicht wiederholt, sondern weiterentwickelt, verschiebt und vertieft. Garrigou denkt ihre Serien als Gedankengänge, lässt das Material ihre Entscheidungen lenken und dem Zufall Raum, Spuren zu hinterlassen.

In diesem Gespräch spricht sie über ihren Weg vom Design zur Keramik, über die Drehscheibe, Geduld, Glasuren und die Grenzen der Kontrolle. Sie erzählt von Migration, Tradition und dem Bedürfnis, klassische Formen durch eine zeitgenössische, persönliche Perspektive zu betrachten. In ihrer Praxis wird Keramik zu einem Ort, an dem Vergangenheit und Gegenwart aufeinandertreffen, sich verbinden und in neuer Form weiterleben.

Wir möchten dich über deinen Weg näher kennenlernen. Wie hat sich dein Übergang vom Industriedesign zur Keramik entwickelt, und welcher Moment oder welche Entscheidung hat dich am deutlichsten auf den künstlerischen Weg geführt, den du heute gehst?

Als Kind und Jugendliche interessierte ich mich sehr für Autodesign, später verlagerte sich das hin zu Möbeldesign, was mich dazu brachte, Industriedesign zu studieren. Während des Studiums wurde mir jedoch bewusst, dass ich kaum die Möglichkeit hatte, mit den Händen zu arbeiten. Stattdessen verbrachte ich viele Stunden am Computer. Als ich nach dem Abschluss in einem Designstudio zu arbeiten begann, wusste ich, dass ich ein Hobby brauchte. Ich erinnerte mich daran, dass ich für ein Universitätsprojekt mit einer Keramikerin gearbeitet hatte. Ich nahm Kontakt zu ihr auf, und sie empfahl mir 2010 eine Keramikschule. Schon in der ersten Stunde habe ich mich in Keramik verliebt, und diese Arbeit belebt meinen Geist bis heute.

Jahre später zog ich nach Barcelona, um einen Master in Möbeldesign zu absolvieren, mit dem heimlichen Wunsch, Keramik an einer renommierten Schule zu studieren. Gleichzeitig war ich nicht bereit, meine Designkarriere aufzugeben, und fühlte mich unsicher, diesen Schritt zu wagen, weil ich dachte, all die Jahre des Studiums wegzuwerfen. In Barcelona arbeitete ich in einem Studio für Küchengerätegestaltung und mietete mir nach Feierabend einen Platz in einem Keramik-Co-Working-Studio.

Zum Glück boten mir meine Vorgesetzten die Möglichkeit, eine besondere Keramikedition für sie zu gestalten, die ich in ihrem Showroom verkaufen durfte. Das war der Beginn meines eigenen Weges. Zwei Jahre später kündigte ich meine Stelle, um mich ganz meiner Arbeit im eigenen Atelier zu widmen. Der Moment, in dem ich mich bereit fühlte zu verkaufen, half mir, mich für den künstlerischen Weg zu entscheiden, auch wenn dieser Prozess mindestens fünf Jahre gedauert hat. Ich wollte nichts überstürzen und keine Arbeiten verkaufen, hinter denen ich nicht voll stehen konnte.

Was hat dich zu Beginn an Ton angezogen, und was ist im Laufe der Zeit in deiner Beziehung zu diesem Material am wichtigsten geworden?

Mich hat die Plastizität des Tons fasziniert, die vielen Möglichkeiten, ihn zu formen, und das Gefühl, eine Idee in kurzer Zeit allein, mit nur einem Material, umsetzen zu können. Ich habe mich in das Drehen an der Scheibe verliebt und in das Erlernen einer neuen Fertigkeit, die Geduld verlangt und den Prozess, nicht das Ergebnis, in den Vordergrund stellt.

Wenn du ein neues Werk beginnst, wie fühlt sich der Start im Atelier an? Beschreibe ihn als Szene: Was tust du zuerst, was nimmst du wahr, wonach suchst du?

Ich glaube, dass ich in meiner künstlerischen Praxis immer dieselbe Geschichte schreibe, nur in unterschiedlichen Kapiteln. Darin liegt für mich die Entscheidung, einen Stil zu haben. Es geht weniger um Ästhetik an sich als um die Geschichte, die ich immer wieder erzähle. Oft stelle ich mir während der Arbeit an einem Stück bereits vor, wie das nächste aussehen könnte, als das folgende Kapitel dessen, was gerade entsteht.

Manchmal habe ich eine Idee und lasse sie mehrere Tage in meinem Kopf ruhen. Dann beginne ich abends vor dem Einschlafen, das Bild des neuen Objekts zu formen und füge ihm nach und nach Details hinzu, bis es fast vollständig ist. Danach skizziere ich es und lege die Maße fest. Während der Arbeit verändern sich die Dinge immer wieder, und ich lasse Raum für glückliche Zufälle. Es ist ein Tanz zwischen Kontrolle und Offenheit.

Wenn sich eine Idee zu einer Serie entwickelt, was hilft dir, ihr treu zu bleiben und gleichzeitig jedes Stück lebendig und eigenständig zu halten?

Um zu verstehen, was ich tue, muss ich es mehrfach wiederholen. Wenn ich an einer Serie arbeite, fertige ich gerne viele Varianten derselben Idee an. Sie unterscheiden sich immer leicht voneinander, und erst im Ganzen finde ich die Bedeutung. Wie beim Schreiben einer Geschichte habe ich das Gefühl, immer dieselbe Erzählung zu verfolgen, unabhängig davon, wie sie aussieht. Diese Haltung erlaubt mir, Neues auszuprobieren.

Ich erlaube mir, mich zu verändern und Ideen zu verfolgen, die zunächst nicht eng miteinander verbunden wirken. Ich glaube, dass ihr Auftauchen einen Grund hat und dass ich sie letztlich mit meiner Arbeit verbinden kann. Ich lese viel und schaue mir Bilder an, die mich nähren und im Hintergrund wirken, oft unbewusst und formend.

Welcher Teil deines Prozesses verlangt dir die meiste Geduld ab, und was hat dir dieser Teil als Künstlerin gegeben?

Zu Beginn, als ich das Drehen an der Scheibe lernte, erforderte dieses Handwerk sehr viel Übung und Geduld. Es war wichtig, die Grenzen des Materials zu verstehen und ihnen nahe zu kommen, um die besten Stücke zu schaffen. Wenn man ein Gefäß dreht und möchte, dass es gelingt, muss man diese Grenzen ausloten, damit es leicht und gleichmäßig wird. Mit der Erfahrung wird diese Arbeit natürlicher, Hände und Körper bewegen sich fast automatisch.

Die nächste Herausforderung ist das Glasieren, und das ist heute der Teil, der mir am meisten Geduld abverlangt. An manchen Tagen bin ich nicht in der richtigen Stimmung dafür, und dann lasse ich es lieber. Beim Glasieren muss man sich bewusst sein, dass hier das volle Potenzial eines Stücks zum Vorschein kommt und nichts beliebig geschehen sollte. Auch wenn mein Glasurstil frei wirkt und Raum für Zufall lässt, hat es viele Jahre der Recherche gebraucht, um eine Glasursprache zu entwickeln, die organisch aussieht und dennoch kontrolliert ist. Das hat mich gelehrt, dass Freiheit innerhalb weniger Regeln und ein Maß an Kontrolle stärker ist als Freiheit allein, ähnlich wie in gesellschaftlichen Strukturen.

Die Natur ist eine wichtige Inspirationsquelle in deiner Arbeit. Was löst bei dir am häufigsten eine neue Form aus, und wie überträgst du diesen Impuls in Keramik, sodass er unverkennbar deiner bleibt?

Obwohl meine Arbeit oft wie in abstrakten Naturformen verankert wirkt, spreche ich letztlich immer über mich selbst. In meiner Serie Potatoids wollte ich das Unbestimmte erforschen und mit Glasuren experimentieren. Dafür brauchte ich eine Form, die vieles sein konnte und zugleich nichts Konkretes, eine Art Leinwand für Glasurtechniken.

Später wandte sich meine Arbeit geologischen Prozessen zu und den möglichen Veränderungen, die menschliche Eingriffe auf unserem Planeten hervorrufen, etwa in der Serie Dystopian Mineral. Durchgehend versuche ich, diese Gedanken in abstrakten Formen auszudrücken, die dennoch organisch wirken. Im Grunde möchte ich, dass meine Stücke wie eine Zusammenarbeit zwischen mir und einer fremden, unbekannten Natur erscheinen.

Woran arbeitest du derzeit im Atelier am intensivsten? Wenn du eine Arbeit oder Serie herausgreifst, die du gerade entwickelst, was möchtest du in der kommenden Zeit vertiefen?

Das Kapitel, an dem ich aktuell arbeite, lässt sich in einem Wort zusammenfassen: Wandel. Wandel ist unvermeidlich, auch wenn wir uns ihm manchmal widersetzen. Er gehört zu unserer Natur. Keramik würde nicht existieren, hätten antike Kulturen nicht von Ort zu Ort bewegt und Wissen sowie Traditionen geteilt. Menschen bewegen sich, Traditionen verändern sich, die Natur wird umgestaltet.

Woher kommt all das? Aus meinem Versuch zu verstehen, warum ich traditionelle Keramik nicht reproduzieren kann, obwohl ich sie sehr respektiere. Ich fühle mich nicht vollständig mit dem verbunden, was traditionell als das Meine gilt. Ich bin die Enkelin europäischer Einwander:innen in Argentinien, dort aufgewachsen und später nach Spanien migriert. Identität ist eine Mischung und nichts Statisches. Tradition hingegen widersetzt dem Wandel. Durch Globalisierung und Migration verändern sich Traditionen und Landschaften. Pflanzen wachsen fern ihrer Ursprünge, Kulturen vermischen sich und wandeln sich.

Um diese Gedanken in meine nächste Serie zu überführen, möchte ich Wandel innerhalb von Tradition erforschen. Der Wandel könnte sich im natürlichen Aspekt der Arbeiten zeigen, während Tradition durch klassische Formen vertreten ist. Als eines der ersten Stücke dieser Serie versuchte ich, ein klassisches koreanisches Moon Jar zu schaffen, doch das Ergebnis entfernt sich stark vom Traditionellen. Seine Natur verschiebt sich, weil es von mir gemacht ist, von jemandem, der nicht koreanisch ist und eine eigene Geschichte trägt. Visuell beginnt es als Vase mit klarer, ruhiger Form und geht dann in eine Transformation über. Farben verändern sich, Texturen entwickeln sich im Kontrast zwischen glänzenden und trockenen Oberflächen, Blasen treten hervor wie Spuren eines Vulkanausbruchs. Ich nenne es heute Mars Jar.

Ich werde viele verschiedene Kulturen erforschen, von der klassischen griechischen und spanischen bis hin zu indigenen Kulturen Argentiniens, um sie zu reflektieren und auf eine Weise zu interpretieren, die sich für mich stimmig anfühlt.

In ihrem Atelier zeigt sich Wandel in der Form, in der Glasur und im Detail, das sich mit der Zeit entwickelt. Das Gespräch endet an der Schwelle zu ihrer nächsten Serie, genau dort, wo eine Idee in ihren Händen zu Ton wird.

Agustina Garrigou

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