NIKO KAPA: KADA GEOMETRIJA NAIĐE NA OTPOR

Niko Kapa je ostavio glinu da se osuši direktno na njegovoj glavi, gde je počela da puca i odvaja se od kože. Kada je fragmente ponovo sastavio, pojavila se geometrija klasične amfore. Materijal je promenio pravac rada Closed Head i preokrenuo njegovu prvobitnu nameru. Taj trenutak otkriva način rada u kojem početna ideja može da se promeni pod uticajem samog materijala.

Kroz njegovu praksu telo postaje kalup, pejzaž izvor geometrije, a praznina samostalan strukturni element. U AlUla Collection isti pristup dobija širu razmeru, oslanjajući se na geološku istoriju AlUle i njeno kulturno pamćenje. Niko Kapa svoju praksu smešta između kulturnog nasleđa antičke Grčke i Levanta, spajajući preciznost dizajna sa nepredvidivošću materije. U razgovoru za AH Magazine govori o tome šta se događa kada materijali, mesta i drugi ljudi počnu zajedno sa njim da oblikuju rad, kao i o trenutku kada poznati vizuelni jezik mora ponovo da bude doveden u pitanje kako bi mogao da ga iznenadi.

Sopstvenu praksu opisujete kao prostor između zapadnog i istočnog nasleđa, posebno antičke Grčke i Levanta. Da li ta dva nasleđa u vašem radu pronalaze ravnotežu ili vas više zanima ono što se događa kada se međusobno opiru? Postoji li rad u kojem vas je upravo ta unutrašnja tenzija odvela u pravcu koji niste očekivali?

Moja praksa ne teži statičnoj sintezi između Grčke i šireg prostora Levanta. Više me zanima trenje koje nastaje kada se ta dva ogromna kulturna prostora sudare. Zapadna klasična misao često daje prednost idealizovanim proporcijama, strukturnoj geometriji i antropocentričnom poretku. Nasleđe Levanta, nasuprot tome, nosi snažnu, lokalno ukorenjenu vezu sa zemljom, duboku geološku vremensku dimenziju i sirove forme koje neposredno iz nje izrastaju. Usredsređen sam na otpor između te dve filozofije, na tačku u kojoj strukturna čistota počinje da se raspada pod težinom sirove topografije.

Ta tenzija se neočekivano pojavila tokom razvoja rada Closed Head. Rad je započeo izrazito ličnim, fizičkim procesom: ostavio sam glinu da se suši direktno na mojoj glavi, primoravajući materijal da zabeleži moju anatomiju. Međutim, dok su osušeni fragmenti gline pucali i odvajali se od kože, fizički otpor materijala usmerio je promenu forme. Kada sam ih ponovo sastavio, polomljeni delovi su se prirodno povezali u geometriju klasične amfore. Napetost između visceralne, grube teksture levantinske tradicije gradnje od nepečene opeke i arhetipske siluete grčke antike razrešila se u hibridnoj formi. Materijal je uticao na moju početnu nameru i pokazao da kulturna nasleđa nisu odvojena istorijska poglavlja, već sile koje kroz savremeni umetnički rad aktivno oblikuju jedna drugu.

Closed Head, 2021. Proces nastanka i završeni rad. Fotografija: Studio Niko Kapa.

U radovima kao što su Corpus, Shield, Erythromorph i Bond, telo postaje kalup, površina otpora i izvor fizičkih tragova, dok u AlUla Collection pejzaž preuzima sličnu ulogu. Šta se promenilo u vašoj poziciji umetnika kada ste sa sopstvenog tela prešli na prostor koji nosi kolektivnu istoriju i kulturno pamćenje?

Prelazak sa tela na pejzaž nije bio radikalan prekid, već logično proširenje razmere: telo je i samo pejzaž. U radovima kao što su Corpus i In Concreto, moje fizičko telo funkcioniše kao platno. Ono postaje mesto neposrednog pritiska, otpora i biološkog traga, gde sirova materija i telo beleže izrazito individualizovano prisustvo. Telo je ovde privremena teritorija izložena pritisku. Prelazak na prostranu geografiju AlUla Collection jednostavno je značio pomeranje pogleda sa mikrotopografije na makrotopografiju.

Kada radim sa pejzažom koji nosi milenijume kolektivne istorije i duboko kulturno pamćenje, moja uloga se menja iz aktivnog autora u nekoga ko zajedno sa tim prostorom čuva ono što je u njemu već prisutno. Geološki slojevi AlUle nose kolektivne tragove generacija, kao što telo nose godine i iskustvo. Shvatio sam da materijal više ne mogu da tretiram kao pasivnog primaoca sopstvenih ideja. Umesto da mediju namećem unutrašnji narativ, počeo sam da otkrivam već postojeći zajednički narativ upisan u sam teren. Razmera je postala veća, ali je umetnička ranjivost ostala ista: bilo da radim sa konturama sopstvene kože ili monumentalnim kanjonima Saudijske Arabije koje je oblikovao vetar, zadatak je da dozvolim površini da govori o silama koje su na nju delovale.

Corpus, 2020. Proces nastanka i završeni rad. Fotografija: Studio Niko Kapa.

U AlUla Collection forme nastaju kroz oduzimanje mase, usecanje, slojevanje i poliranje, dok tragovi procesa ostaju vidljivi na završenom radu. Koliko je konačna forma određena pre nego što počnete da radite sa materijalom, a koliko nastaje kroz ono što vam materijal dozvoli, čemu se opire ili šta zahteva? Da li se događa da sam materijal preokrene odluku koju ste već doneli kao dizajner?

Moja praksa je u potpunosti zasnovana na procesu i zahteva stalno eksperimentisanje, ponovno preispitivanje materijala i duboko poštovanje volje same materije. Ne pristupam bloku materijala sa krutim nacrtom ili fiksnim planom. Umesto toga, pokušavam da uspostavim dijalog. Iako su početne geometrije i konceptualni okviri planirani, konačnu formu na kraju određuje način na koji se materijal ponaša pod fizičkim opterećenjem, kako reaguje na oduzimanje mase, kako puca tokom usecanja i kako se sleže tokom slojevanja.

Materijal često preokrene moje unapred donete dizajnerske odluke. Na primer, tokom razvoja AlUla Collection, rad sa održivim kompozitima i prirodnim pigmentima od gline donosio je nepredvidivo ponašanje tokom očvršćavanja i teksturalne nepravilnosti. Linija koju sam nameravao da ispoliram u čistu, oštru ivicu mogla je da otkrije poroznu šupljinu nalik pećini, koja podseća na prirodnu eroziju nabatejskih litica. Umesto da takva odstupanja korigujem kako bi odgovarala crtežu, prihvatao sam ih. Sam materijal zahtevao je grublju i iskreniju teksturu od one koju bi savršen digitalni render ikada mogao da predvidi. Takav način rada stvara neprekidnu povratnu spregu: znanje stečeno kroz otpor jedne serije materijala odmah prelazi u sledeći projekat, pa svaka kolekcija ostaje u aktivnom dijalogu sa medijem koji se neprestano razvija.

AlUla Collection, 2022–2024. Dokumentacija procesa i istraživanja materijala uz upotrebu gline, reciklirane keramike i pustinjskog peska. Fotografija: Studio Niko Kapa.

AlUla Collection razvijena je pod pokroviteljstvom Royal Commission for AlUla (RCU).

U velikom delu vašeg rada forma nastaje upravo kroz ono što je uklonjeno: Drifts kroz oduzimanje mase, Wadi oko unutrašnje doline, a Naqsh kroz usecanje i iskopavanje. Šta vam praznina omogućava da izrazite što puna, zatvorena forma ne može?

Praznina i čvrsta masa postoje zajedno. To nisu suprotstavljene vrednosti, već međusobno zavisna stanja materije. Kao što je Henry Moore svojevremeno primetio, praznina je podjednako važna kao i čvrsta masa. Potpuno zatvorena, puna forma lako može postati samoreferencijalna, zatvarajući se prema svom okruženju i govoreći samo o sopstvenoj masi. Nasuprot tome, oduzimanje, usecanje i iskopavanje omogućavaju mi da prazninu koristim kao samostalan strukturni i narativni materijal.

U radovima kao što su Wadi i Naqsh, praznina funkcioniše kao unutrašnji horizont koji uvodi okolni prostor, svetlost i atmosferu u sam predmet. Omogućava mi da izrazim odsustvo, prolaz i sećanje. Pažnju posmatrača pomera sa onoga što je fizički prisutno ka onome što je vremenom izgubljeno ili uklonjeno, odražavajući prirodne procese geološke erozije i arheološkog iskopavanja. Puna forma zauzima prostor, dok izdubljena forma prostor stvara. Oblikujući prazninu, mogu da zabeležim nevidljive sile, poput vetra, vode ili ljudskih ruku, koje su oblikovale predmet, pretvarajući njegovu praznu unutrašnjost u prostor za kontemplaciju posmatrača.

Drifts, Naqsh i Wadi, 2022–2024, iz AlUla Collection. Fotografija: Studio Niko Kapa.

U tekstu koji prati AlUla Collection pišete: „Mi ne posedujemo svoju kulturu. Mi joj pripadamo.“ Istovremeno, projekat opisujete kao proces u kojem su učestvovale i saudijske žene. U kom trenutku jedan projekat prestaje da bude isključivo umetnikova interpretacija određenog mesta i postaje nešto što oblikuju ljudi koji tom mestu pripadaju? Da li je njihovo učešće promenilo neku odluku koju biste sami doneli drugačije?

Projekat prestaje da bude isključivo interpretacija svog autora onog trenutka kada tuđe ruke dotaknu sirovi materijal i u proces izrade unesu sopstvena životna iskustva. Istinska kulturna saradnja zahteva da se odreknemo dela umetničkog vlasništva kako bismo poštovali kulturno pripadanje. Kada su se lokalni ljudi uključili u radionice i proizvodne faze AlUla Collection, projekat se iz odgovora dizajnera koji dolazi spolja razvio u živ, zajednički artefakt. Doneli su intuitivno razumevanje lokalnog pejzaža, tradicije doma i regionalnih tekstura koje nikakvo istraživanje sprovedeno spolja ne bi moglo da zameni.

Njihovo neposredno učešće uticalo je na dizajnerske odluke, posebno kada je reč o taktilnim osobinama i praktičnoj razmeri predmeta. U početku su neke geometrije u serijama Naqsh i Wadi bile zasnovane na čisto arhitektonskim, oštro definisanim linijama. Kroz razgovore sa lokalnim učesnicima shvatio sam da ti predmeti moraju biti ukorenjeni u intimnim ritualima regionalnog gostoprimstva. Vodili su proces dorade, pokazujući kako će se predmeti držati, dodavati iz ruke u ruku i uključivati u svakodnevni život. Taj doprinos doveo je do ublažavanja nekoliko usečenih prelaza, prilagođavanja težine predmeta i promena u završnim fazama poliranja. Njihovo učešće omogućilo je da kolekciju ne oblikuje samo estetika kamenja AlUle, već i lokalna zajednica koja čuva njeno nasleđe.

Za AlUla Collection govorite o cirkularnom dizajnu, reciklaži i procesu bez otpada. Kada održivost iz namere pređe u konkretne odluke u studiju, gde nastaju najteži kompromisi? Postoji li nešto što ste želeli da izvedete održivije, ali vam materijal, tehnologija, trajnost ili proizvodnja to nisu dozvolili?

Kada održivost iz apstraktne dizajnerske filozofije pređe u praktičnu realnost studija, najteži kompromisi gotovo neizbežno nastaju oko obima proizvodnje i logistike. Relativno je jednostavno ručno izraditi jedan potpuno ekološki prihvatljiv prototip u strogo kontrolisanim studijskim uslovima. Međutim, održati dosledan, zatvoren sistem bez otpada postaje izuzetno složeno kada proizvodnju treba povećati za serijsku izradu i globalnu distribuciju, a da se pritom ne ugrozi strukturna celovitost predmeta.

Kod AlUla Collection, naš glavni tehnički izazov odnosio se na veziva i vreme očvršćavanja održivih kompozita. Želeo sam da razvijem potpuno organsko vezivo iz lokalnih izvora koje bi u potpunosti zaobišlo industrijsku preradu. Upravo u tom balansiranju između čistote materijala, strukturne trajnosti i realnih zahteva proizvodnje odvija se pravi posao dizajnera.

Od skulpturalnih predmeta do arhitekture i prostornih radova, određeni rezovi, krivine, slojevi i topografske forme vraćaju se kroz veoma različite razmere i kontekste. Kako prepoznajete granicu između vizuelnog jezika koji vam i dalje prirodno pripada i trenutka kada vam je određena forma postala toliko poznata da više ne može da vas iznenadi?

U mom vizuelnom rečniku forme koje se ponavljaju funkcionišu kao pitanja, a ne kao odgovori. Određeni rezovi, krivine i topografski slojevi ponovo se pojavljuju kroz moj portfolio zato što predstavljaju kontinuirano istraživanje načina na koji granice nastaju, pružaju otpor i nestaju. Bilo da se krivina primenjuje na skulpturu oblikovanu na koži, kao u radu Ab Hominem, Ad Hominem, ili izvodi u arhitektonskoj razmeri, njena vrednost u potpunosti zavisi od odnosa prema kontekstu. Ako se forma koristi zato što zaista ulazi u dijalog sa materijalom ili pejzažom, ona ostaje živa i autentična.

Opasnost nastaje kada se forma ponavlja samo zato što je sigurna ili prepoznatljiva. Prepoznajem da mi je neki oblik postao previše poznat onda kada prestane da stvara trenje tokom procesa izrade. Ako mogu unapred tačno da predvidim kako će forma izgledati i kakav će osećaj proizvesti pre nego što sam uopšte dotakao materijal, ona više ne može da me iznenadi. Da bih sprečio takvu stilsku stagnaciju, namerno menjam razmere i materijale. Prenošenje topografske forme koja se ponavlja iz podatnog medija poput gline u nepopustljiv materijal poput betona, ili u digitalni medij, odmah ponovo uvodi otpor. Ta promena uklanja osećaj poznatog, primorava me da formu iznova učim i održava moj vizuelni jezik istinski eksperimentalnim.

Ab Hominem, Ad Hominem and In Concreto, 2021. Photography by Studio Niko Kapa

U The Path iz 2025. prisustvo više nije sačuvano samo kao trag u materijalu: kretanje posetioca aktivira svetlost i zvuk, pa se delo menja dok se posetilac kreće kroz njega. Šta se za vas menja kada umetničko delo više ne možete u potpunosti da odredite unapred, već deo njegovog konačnog iskustva zavisi od drugog tela, njegovog kretanja i vremena koje provede u prostoru?

Prihvatanje neodređenosti iz temelja menja ulogu umetnika: posetilac postaje učesnik, a učesnik postaje koautor. U radovima kao što su Erythromorph ili In Concreto, umetničko delo funkcionisalo je kao fizička arhiva jednog događaja, kao trajni zapis pritiska mog sopstvenog tela i njegovog biološkog traga, zamrznutog u vremenu. U radu The Path, delo prelazi iz statičnog spomenika ukorenjenog u prošlom činu u živ, responzivan okvir koji se razvija u sadašnjem trenutku.

Takav razvoj zahteva odricanje od potpune autorske kontrole. Više ne određujem konačan izraz dela. Umesto toga, postavljam skup prostornih uslova, promenljivih i odnosa. Brzina kretanja učesnika, njegovo oklevanje, blizina i vreme provedeno u prostoru neposredno stvaraju konačnu kompoziciju svetlosti, zvuka i senke. Delo se prilagođava drugom telu, pa nikada ne može biti doživljeno na potpuno isti način dva puta. Kroz taj otvoreni sistem moja praksa se vraća svom početnom istraživanju ljudskog tela kao izvora fizičkih tragova i time zatvara jedan krug. Istovremeno, to istraživanje dobija novi kontekst kao živa, kolektivna koreografija u kojoj autor i posmatrač zajedno oblikuju prostor.

Od gline koja puca na telu do predmeta koje oblikuju pejzaž i ruke drugih ljudi, Niko Kapa dopušta procesu da promeni ono što je prvobitno zamislio. Kada forma postane predvidiva, menja materijal, razmeru ili metod, tražeći otpor koji će mu omogućiti da je ponovo sagleda drugačije.

NIKO KAPA | WEB