VALERIO VILLANI
- 22. Mai
- 4 Min. Lesezeit
Der Körper als innere Landschaft
In den Gemälden von Valerio Villani wird die menschliche Figur zu einer Art Karte. Ein Gesicht, die Haltung eines Körpers, eine Spur von Farbe und der malerische Gestus führen in einen Raum, der sich hinter dem sichtbaren Bild öffnet. Der italienische Maler und Illustrator verbindet zeitgenössische Figuration, Zeichnung und Verlagsillustration zu einer Bildsprache, in der Erinnerung, Verletzlichkeit und Wandel bereits im ersten Blick spürbar werden.
Seine Werke Silence, Rebirth, Il ritorno, La fine und Dreaming führen uns in eine Malerei, in der die Seele durch Figur, Farbe und Komposition Gestalt annimmt. In diesem Gespräch spricht der Künstler über Malerei als Raum der Begegnung mit dem Selbst, über die Schwelle zwischen Idee und Prozess, über den Weg von der Galerie zum Buch und darüber, wie ein einziges Bild eine ganze innere Geschichte tragen kann.
Ihre Werke rücken die menschliche Figur häufig an die Schwelle zwischen innerer und äußerer Welt. Woran erkennen Sie den Moment, in dem dieser Zustand im Bild seine volle Form gefunden hat?
In meinen Gemälden versuche ich, einer Inspiration zu folgen, die aus der Wirklichkeit kommt, die ich erlebe, und aus dem, was mich umgibt. Eine Art Stille begleitet die Figuren oft und schafft einen Dialog zwischen ihnen und mit der Wirklichkeit, die ich um sie herum konstruiere. Es ist nicht immer leicht, den genauen Punkt zwischen Stille und Dialog zu finden, aber wenn er sich zeigt, atmet das Bild.
In Ihrer Arbeit erscheint die Figur selten als klassisches Porträt. Sie scheint einen inneren Zustand zu tragen. Wie genau wissen Sie vor Beginn, was Sie ausdrücken möchten, und wie viel Bedeutung entsteht erst während des Malens?
Wie bereits erwähnt, ist der Weg von der ersten Idee bis zum endgültigen Ergebnis nie festgelegt, und ich lasse einen Teil der Arbeit oft vom Akt des Malens selbst führen. Ich glaube, dass die Idee nicht zu starr geplant werden sollte, damit ein Gefühl von Energie und Kommunikation lebendig bleibt. Oft lasse ich mich von dem überraschen, was erscheint, und von dem, was der Prozess unterwegs hinzufügt.
Ihre Praxis bewegt sich zwischen Malerei und Illustration für das Verlagswesen. Was verändert sich in Ihrer Denkweise, wenn Sie vom offenen Raum der Malerei in die narrative Struktur eines Buches wechseln?
Die Struktur eines Buches verlangt einen tragfähigen erzählerischen Rhythmus, während jedes einzelne Bild die Geschichte in einem einzigen visuellen Moment verdichten muss. Der Wechsel zwischen verschiedenen Illustrationsformaten kann anspruchsvoll sein, aber ich sehe mich als vielseitigen Künstler, der in unterschiedlichen Rahmen arbeiten kann. Mein Denken passt sich der jeweiligen Art der Erzählung an, und ich versuche, dem Thema so nah wie möglich zu bleiben, während ich den Charakter meiner visuellen Sprache bewahre.
Farbe spielt eine starke Rolle bei der Gestaltung der Atmosphäre Ihrer Werke. Beginnen Sie mit der Farbe, mit der Figur oder mit einem Gefühl, das das Bild tragen soll?
Ich beginne mit einer Idee, aus der meistens eine einfache Zeichnung entsteht, die mir als Orientierung dient. Oft lasse ich das Bild einige Tage ruhen, während ich versuche, die Emotion zu verstehen, die ich einfangen möchte. Farbe spielt eine grundlegende Rolle dabei, dem Bild seinen visuellen Charakter zu geben. Ebenso sind Gestus und der malerische Duktus entscheidend, um die verschiedenen gemalten Schichten im endgültigen Bild zusammenzuführen.
Sie beschreiben die Seele als einen Raum des Wissens, der Erinnerung und der Selbsterkenntnis. Wie wird diese Idee Teil des Bildes selbst, durch Figur, Farbe, Gestus oder Komposition?
Für mich ist die Seele eine intime, persönliche Landschaft. Aus dieser Nähe heraus nähere ich mich ihr auch in meiner Arbeit. Die Komposition trägt viel, ebenso das Zusammenspiel von Figur, Haltung und Gestus. Am Anfang steht immer eine Emotion, getragen von einer starken inneren Botschaft. In jedem Werk führe ich Zeichnung, malerischen Duktus und Farbe zu einer gemeinsamen visuellen Haltung zusammen. So entsteht der Versuch, eine innere Landschaft oder einen Geisteszustand mit größtmöglicher Wahrhaftigkeit sichtbar zu machen.
Im Laufe der Jahre wurde Ihre Arbeit in unterschiedlichen künstlerischen Kontexten gezeigt, von Ausstellungen und Auszeichnungen bis hin zu Verlagsprojekten. Was hat Ihnen dieser Wechsel des Rahmens, von der Galerie zum Buch, über die Art gezeigt, wie ein Bild mit seinem Publikum kommuniziert?
Ich versuche immer, mir selbst und meiner künstlerischen Intuition treu zu bleiben, unabhängig vom Kontext. Das hilft mir, meine Arbeit vor Verzerrung zu bewahren und sie nah an dem zu halten, was ich ausdrücken möchte. Es bewahrt sie auch davor, selbstreferenziell zu werden. Natürlich wähle ich meine Arbeiten dem jeweiligen Kontext entsprechend aus und passe jedes Werk an das endgültige Konzept an, ob für eine Galerie oder ein Editorial-Projekt.
In Silence, Rebirth, Il ritorno, La fine und Dreaming begegnen uns Vorstellungen von Rückkehr, Ende, Traum, Erneuerung und innerer Transformation. Sehen Sie diese Werke als einzelne Momente oder als Teile einer gemeinsamen inneren Landschaft?
Wie bereits erwähnt, folgt alles mehr oder weniger der Idee einer Erzählung der menschlichen Seele, verstanden als innere und äußere Landschaft zugleich. Ich versuche, über die traditionelle figurative Vorstellung der Figur in einer Landschaft hinauszugehen, oder zumindest ist das meine Absicht.
Die Worte von Valerio Villani bringen seine Gemälde näher an den Geist und die Hand heran, die hinter ihnen stehen. In seinem Werk tragen Figur, Farbe und Gestus die Spur einer inneren Bewegung, vom Traum zur Rückkehr, vom Ende zur Erneuerung. Die Stärke seiner Malerei liegt in der Fähigkeit, aus dem Fragment eines Gesichts, der Haltung eines Körpers oder einer Farbschicht einen Raum zu schaffen, in dem die Betrachtenden vor einem eigenen Gefühl innehalten.
Valerio Villani
