YAN WU
- ARTISTIC HUB MAGAZINE
- 12. Sept.
- 5 Min. Lesezeit
CHINA | UK
Bilder als Brücken durch die Zeit
Die Kunst von Yan Wu öffnet einen Raum zwischen Tradition und Gegenwart, zwischen London und Peking, in dem Seide und Tusche zu Feldern philosophischer Erkundung werden. Ihre Gemälde formen die Natur zu einer Brücke des Erinnerns und verwandeln Symbole in neue Bedeutungen. Kultur und persönliche Erfahrung, Stille und Widerstand, Introspektion und gesellschaftlicher Kommentar verweben sich in ihrem Werk. Im Gespräch mit ihr wird deutlich, wie alte Motive von Vögeln, Blumen und Gongshi-Steinen in unserer Zeit sprechen können und zeigen, dass Kunst lebendig bleibt, wenn man sie aus der Perspektive des heutigen Augenblicks betrachtet.
Sie leben und arbeiten zwischen London und Peking und verbinden zwei Welten durch Malerei, Keramik und Schreiben. Ihr Werk bewahrt Tradition und erforscht sie zugleich, während es ihr gleichzeitig zeitgenössische Perspektiven eröffnet. Es spiegelt eine tiefe Verbundenheit mit den Materialien, eine philosophische Neugier und den Wunsch wider, dass Naturmotive und kulturelles Erbe auf neue Weise zu uns sprechen.
In Ihrem künstlerischen Statement beschreiben Sie l’entre (Interstitielles) als konzeptionellen Rahmen für Ihre Praxis. Wie sind Sie zu dieser Idee gekommen, und inwiefern beeinflusst sie die Wahl Ihrer Motive und den Aufbau Ihrer Kompositionen?
Meine Gedanken zu l’entre haben sich entwickelt, während ich mit der Spannung zwischen Tradition und Moderne in meiner Arbeit gerungen habe. Ich begann mit der Vogel-und-Blumen-Malerei, einer Stilrichtung, die tief in traditionellen Themen und Mustern verwurzelt ist. Anstatt dieses Erbe zurückzuweisen, fühlte ich mich von seinen Symbolen angezogen, die mir als Quellen der Inspiration dienten. Zugleich wollte ich sie in einer Weise aufgreifen, die ihre Bedeutung erweitert, statt sie einzuschränken. Hier wurde der Rahmen von l’entre entscheidend. Er ermöglicht es mir, Elemente wie Gelehrtensteine oder Bambus aus ihren typischen symbolischen Rollen zu lösen, sie zu isolieren oder neu zu kontextualisieren, sodass sie zwischen Darstellung und Abstraktion schweben. Kompositorisch führt er mich dazu, Räume zu schaffen, die sich jeder Endgültigkeit entziehen: fragmentiert, geschichtet oder im Übergang. Sie deuten auf einen Schwellenzustand hin, anstatt ein abgeschlossenes Bild zu sein. So beeinflusst l’entre nicht nur meine Motive und Kompositionen, sondern definiert auch neu, was Malerei sein kann. Sie ist nicht nur eine feste Darstellung kultureller Symbole, sondern wird zu einem Verhandlungsraum, in dem überlieferte Geschichten aufgebrochen, neu interpretiert und im Verhältnis zur Gegenwart gedacht werden.
Traditionelle Materialien wie Tusche, Mineralpigmente, Seide und Reispapier tauchen häufig in Ihrem Werk auf. Was zieht Sie zu diesen Medien, und wie nutzen Sie sie, um zeitgenössische Themen einzubeziehen?
Tusche, Mineralfarben und pflanzliche Pigmente sowie Seide werden seit der Antike verwendet, bereits um 475–420 v. Chr. Mich faszinieren sie nicht nur wegen ihrer Beständigkeit, sondern auch, weil sie als philosophische Gefäße dienen. Sie verkörpern taoistische Ideale von Natürlichkeit, Ausgewogenheit und Einheit mit dem Kosmos. Für mich bedeutet die Arbeit mit diesen Materialien einen Dialog mit einer kulturellen Synthese, in der Ästhetik und Metaphysik stets verbunden sind. Vögel und Blumen, die mit natürlichen Substanzen gemalt sind, erschaffen einen Kreislauf von Natur, Mensch und Kunst.
Anstatt die Bilder traditionell zu hängen, spanne ich sie auf Holzrahmen. Dadurch entsteht ein Zwischenraum zwischen Seide und Wand, der ihre Transparenz hervorhebt. Manchmal nehmen die Ränder zufällige Pigmente auf, die mit der feinen Bildsprache kontrastieren und Spannungen zwischen Kontrolle und Zufall erzeugen. Auf diese Weise wird das Material selbst aktiv, es entwickelt sich über die Tradition hinaus zu einem Raum, in dem historische Techniken auf zeitgenössisches Experimentieren treffen.
Persönliche Erfahrungen haben einen wichtigen Platz in Ihrer Kunst. Wie finden sie Eingang in Ihre Bilder und prägen ihre Erzählungen?
Meine persönliche Erfahrung als Künstlerin in einer von Männern dominierten Kunstwelt beeinflusst die Geschichten, die ich durch meine Arbeit erzähle. Geschlechterungleichheit zeigt sich oft in eingeschränkten Möglichkeiten und subtilen Formen des Zum-Schweigen-Bringens, die freies Sprechen erschweren. Als Antwort darauf greife ich auf die symbolische Sprache der chinesischen Malerei zurück, in der Pflanzen und Steine seit Jahrhunderten mit menschlichen Tugenden verbunden sind. Bambus mit seinem hohlen, aufrechten Stamm steht für Integrität, während Gelehrtensteine für edle Zurückhaltung und spirituelle Tiefe stehen. Indem ich diese Symbole neu interpretiere, entwickle ich eine Erzählung, die ihre traditionellen Bedeutungen in Frage stellt. Sie wirken als Tarnung, indem sie zugleich verbergen und offenbaren und damit die Spannung zwischen äußeren Idealen und gelebter Erfahrung sichtbar machen. So werden Symbole nicht länger zur Bestätigung bestehender Hierarchien eingesetzt, sondern schaffen Raum für vielfältige Stimmen.
Meine persönlichen Erfahrungen sind daher in die Arbeit eingewoben, nicht durch direkte Autobiografie, sondern indem ich überlieferte Bildsprache in Orte des Widerstands und der Neuinterpretation verwandle.
Reisen sind ein wichtiger Teil Ihres Forschungsprozesses, insbesondere beim Studium historischer Werke in ihrem ursprünglichen Umfeld. Können Sie ein Beispiel für eine Reise oder eine Begegnung mit einem Kunstwerk teilen, die Sie und Ihre Praxis stark geprägt hat?
Im Sommer 2019 besuchte ich das National Palace Museum in Taiwan, um die Ausstellung Of a Feather Flocking Together: Birds, Flowers, and Fruit in Melodic Harmony zu sehen. Während meines Studiums an der China Academy of Art in Hangzhou im Jahr 2009 kannte ich Meisterwerke der Song-Dynastie nur aus Reproduktionen, etwa aus Publikationen von Nigensha Co., Ltd. Diese Werke ein Jahrzehnt später endlich im Original zu sehen, war eine prägende Erfahrung. Die Pinselstriche offenbarten subtile Rhythmen und Strukturen, die keine Reproduktion vollständig wiedergeben konnte. Die Ausstellung zeigte außerdem Fotografien realer Vögel neben den Gemälden, was verdeutlichte, wie Künstler über Jahrhunderte hinweg die Natur mit Genauigkeit und Vorstellungskraft studiert haben. Noch intensiver wurde das Erlebnis durch das Bewusstsein der bewegten Geschichte dieser Werke, von ihrer Verlagerung während der japanischen Invasion 1931 bis zu ihrem heutigen Standort in Taipeh. Vor ihnen zu stehen, ließ mich die Zerbrechlichkeit und Widerstandskraft kulturellen Gedächtnisses spüren.
Diese Begegnung hat mir gezeigt, dass Malerei nicht nur eine visuelle Praxis ist, sondern auch ein Gefäß für Geschichte, Migration und Überleben – ein Verständnis, das weiterhin prägt, wie ich traditionelle Symbole in meiner Arbeit neu interpretiere.
Naturmotive wie Vögel, Pflanzen und Gelehrtensteine tauchen immer wieder in Ihren Bildern auf. Welche Bedeutung haben diese Symbole für Sie heute, und wie sprechen sie ein zeitgenössisches Publikum an?
Vögel, Pflanzen und Gelehrtensteine gehören zu den klassischen Themen der chinesischen Vogel-und-Blumen-Malerei. Jenseits ihrer detailreichen Erscheinung sind die Symbole in diesen Werken zentral, da sie taoistische und konfuzianische Philosophien widerspiegeln und das Verhalten leiten. Wenn Menschen diese Tugenden als persönliche Prinzipien annehmen und hohe moralische Maßstäbe wahren, tragen sie zu einer stabilen sozialen Ordnung bei. Ich möchte diese Erzählungen neu gestalten, indem ich Symbole infrage stelle und deutlich mache, dass das, was wir lernen, auch Täuschungen sein kann. Es ist wichtig, den möglichen Einfluss dieser kulturellen Symbole auf die Gesellschaft zu erkennen. Es gibt keine festen Symbole, Menschen verleihen ihnen Bedeutungen, wie sie es wünschen.
Ihre Gemälde wurden als Räume der Meditation und des stillen Widerstands beschrieben. Was bedeutet für Sie dieser stille Widerstand, und wie möchten Sie, dass Betrachterinnen und Betrachter ihn erleben?
Auch wenn meine Motive aus der traditionellen chinesischen Malerei stammen, erforsche ich, wie wir Symbole, die durch Kultur und Philosophie geformt wurden, deuten und auf sie reagieren sollten. Diese Symbole wirken als Werkzeuge, um das Verhalten von Menschen zu beeinflussen und sie durch personalisierte Darstellungen von Pflanzen und Tieren zu Tugenden wie Ehrlichkeit, Integrität und Aufrichtigkeit zu erziehen. Ich möchte diese Motive neu denken, um eine unkonventionelle Stimme zu schaffen, die Menschen ermutigt, anders zu denken. Gelehrtensteine könnten verspielt, humorvoll oder gierig erscheinen. Der Bambuswald könnte eine mögliche Gefahr symbolisieren. Vögel könnten, anstelle von Menschen, die Welt beherrschen, ähnlich der multiperspektivischen Sicht in chinesischen Handrollen, in denen es keine strikten Regeln für die Betrachtung der Welt gibt.
Ich möchte traditionellen Motiven eine offene Erzählung geben, statt an ihren ursprünglichen Symbolen festzuhalten.
Yan Wu zu begegnen, macht deutlich, dass Kunst ein Raum der Freiheit und der Entdeckung sein kann. Ihre Werke verbinden Natur und Kultur, Tradition und zeitgenössische Erfahrung und schaffen Orte, an denen Symbole neue Energie erhalten. Jedes Gemälde eröffnet Wege zu frischen Interpretationen, die sowohl introspektiv als auch universell sind. Die Stärke ihrer Praxis liegt in der Fähigkeit, das über Jahrhunderte gewachsene kulturelle Erbe in eine Quelle für neue Geschichten und zeitgenössische Stimmen zu verwandeln.
